乐视电视怎么看电影:工笔花鸟常见问题50问》教程】《电子版（21-30)

教程】《工笔花鸟常见问题50问》电子版（21--30）

21、在构图方面应该注意那些问题？我作画造型能力自认为还可以，但是，画出来的整张作品就是感觉不好看，老师有什么解决办法？
答：1、构图是国画的基本技巧，从某种意义上来说比造型更重要。因为，造型可以借助复印、过稿等手段来获得。而构图如果也同时借鉴的话就变成了抄袭了。构图主要是留白（画面分割）和重心（动态线）这两方面。中国古代一句最经典的话就可以代表构图的本质（就是“攒三聚五”。）这也就说明了构图不能平均，尤其忌讳对称，要用“心理平衡”来取代“物理平衡”。另外，画面的“动态线”也就是画面的走向这点也必须要注意。其实，现在的国画已经很少有人用标准的古典折枝构图了，构图的科学性、合理性可以参考西画的一些有关构图的理论。




示例图1：
这里列出了“物理对称式”和“心理均衡式”的示意图。其中“物理对称式”是一种“物理平衡”，在画面上有一条或者多条轴线，轴线的左右或上下物体分布基本均衡，这种构图比较容易掌握，画面的平衡感较好，具有稳重性和装饰性，在图案设计中运用较多。而“心理均衡式”构图则要复杂许多，其原理如图所示的中国“秤”的原理，通过线条或色彩上长短、疏密、浓淡的不同，虽然画面上并没有直观可见的对称图形，但是通过构图的分布，仍然可以让观众体会到“均衡”（重心稳定）的美感。需要注意的是，国画构图中，重心完全偏移的作品几乎是没有的，即使是大面积的留白作品，也会通过题款、钤印等方式让构图得以均衡。





示例图2：
这里展示笔者的几张作品，其中上面几张带有很鲜明的设计风格，除去画面画眼位置的草虫（这里加上草虫也是为了打破绝对平均的感觉，以免呆板。）以外，主体部分都是属于“物理对称式”构图。这种构图风格庄重大方，现代感强。下面几张则是属于“心理均衡式”构图，不管是团扇还是斗方或者是竖幅作品，留白和主体的大小都不是均匀对称的，但是画面的整体重心还是稳定的。传统的折枝花卉构图就是“心理均衡”构图的样式典范。



22、工笔画中，有些颜色(绿色)非常的鲜艳耀眼，是用国画色画出来的嘛？？可以用丙稀色(草绿等)画嘛？
答：一般来说都是国画颜色所表现的。不过，重彩画中可能会使用一些其他画种的颜料，市场上就有日本画颜料，非常细腻、稳定且色彩也非常艳丽。草绿色不用丙稀色也可以调制的比较鲜艳，用酞青蓝来调藤黄好了。重彩中如石头上的绿色一般用头绿、二绿等，若觉得还不够鲜艳可再加些藤黄在其中。




示例图1：
工笔花鸟中的叶子并没有固定的、标准的、模式化的色彩。虽然整体上来说，是以绿色叶子居多。但是，在绿色中也有翠绿、草绿、青绿、赭绿、灰绿、老绿等多种色彩变化。本图给出多种绿色的色相示意图。




示例图2：
本图展示了笔者所绘作品中，各种绿色的变化。传统的设色中，草绿色为主要色彩，用花青加藤黄调和而成。这种草绿是主基调，依据画面的不同，适当的加入藤黄或朱磦或胭脂或三绿等，就形成了色相繁多的各种绿色。



23、用墨分染底色时，为什么颜色发乌，不亮呢？
答：您说的是不是用墨色来渲染的时候出现的情况？用墨锭渲染的话，如果碰上了松烟墨，那染出来的颜色肯定不会亮。如果是油烟墨，那么画面就会乌黑发亮了。油烟墨不好买，推荐使用北京产的“一得阁”墨汁即可以了。另：墨中不要添加别的颜色，否则，墨一加进杂质，墨就不亮了。




示例图1：
传统工笔画的绘制中，墨的使用是必不可少的。从勾线到打底色到分染再到最后的题款等，几乎每一步都会用到墨。中国古代书写和绘画用到的墨锭，墨锭的主要原料是炭黑、松烟、胶等，是碳元素以非晶质型态的存在。通过砚用水研磨可以产生用于毛笔书写的墨汁，在水中以胶体的溶液存在。因为传统的墨锭使用比较麻烦，所以，近代又开发出液体状的各类书画墨汁。其中较为上等的“一得阁云头艳”和“红星书画墨液”以及日本产的一些书画墨液，附着力以及色彩的持久力等都很好，从效果上来看，基本可以替代传统墨锭。唯独在颗粒细腻度和极其细微的色彩分层上有所差别，对画面的影响很小。




示例图2：
墨分“松烟墨”和“油烟墨”两种，松烟墨以松树烧取的烟灰制成，特点是色乌，光泽度差，胶质轻，只宜写字。油烟墨多以动物或植物油等取烟制成，特点是色泽黑亮，有光泽；最常见的桐烟墨，坚实细腻，具有光泽。中国画一般多用油烟，只有着色的画偶然用松烟。但在表现某些无光泽物如墨蝴蝶，黑丝绒等，也最好用松烟。



24、绢做工笔画，使用绢的一般工序是什么？用绢作画应掌握什么要领？临摹宋代古人的小品怎样做才好？
答：1、绢是丝织品的一种，经过锤炼后绢丝变扁，不再渗化漏水，所以合适画工笔。工艺品商店中可以买到直接作画的熟绢，回去后自己不用加工的，直接画就可以了。2、买来的绢因为是丝织品，不是很平整，所以需要裱平到画板或空绷到画框上才适合作画。这里我简述一下裱在画板上的步骤：先将起好的底稿放在画板上，然后将绢用底纹笔刷湿润，将绢的四周用一寸宽左右的白纸刷上浆糊贴好，干后自然可以崩平，也就可以开始过稿了。过稿以后，在绢的侧面用美工刀划开一裂痕，将底稿抽出后再用白纸贴上即可以上色了。崩平的绢勾线和设色都非常方便。绢不吃色，所以渲染时记得不要颜色过厚，应多层薄染。3、临摹宋人的小品是学习工笔花鸟非常好的入门方法。首先要造型精确，其次线条不要太粗，还有线条墨色要淡，那时候还是主要以设色为主。最后，宋画的古典韵味很多时候和宋画的陈旧度有关的，绘制完毕后可适当的刷一点米黄色和用清水笔局部反复清洗来做旧。




示例图1：
本组图片是就读于东京大学的台湾籍网友Marc99所提供的绷绢素材，绷绢的重点是要平整服帖。所以，第二步的剪裁边口和后面的绷绢上框都比较重要，上框的木框上事先最好先刷两次糨糊，这样绷的时候，木头就不会吃糨糊了，能黏贴的更紧。还有就是要注意胶矾水的配置（胶矾的问题前面章节有述），胶液要隔水熬，并且最好别超过70度，以免失去胶性。




示例图2：
宋人花鸟，是中国工笔花鸟画的巅峰，对宋画的临摹与研习，是有志于工笔花鸟艺术的画家们所不能回避的。我们在临摹之前一定要细心体会原画的个人风格、创作思路、用笔特点、构图特征等，如：《果熟来禽图》中小鸟造型的憨态、《白头丛竹图》中竹叶用笔的丰富性、《花篮图》中多种花卉色彩的和谐性、《枯树八哥图》中枝干用笔的写意性等。这样才能做到临摹的时候不至于“千画一面”。一定要避免将平时的程式化技巧带入到临摹中去，尽量向原作靠拢才是。当然，如果是意临的作品不在此例。



25、我是一个刚开始学画工笔的学生，我在具体操作方面遇到了不少问题。譬如，画叶子时用花青分染，干后会有一层层的痕迹；画大红色花头时会把底色罩住，分不清层次；用赭石最麻烦，老是会出现沉淀。望老师予以指教！
答：染后有水斑，是因为你水笔染色的时候没有拖干净，染色到了边缘要用干净的水笔继续分染开去。有时候，湿润的时候看不出来，干了就出现痕迹了。大红花头罩色后底色肯定会有点闷，一是用高档颜料，二是罩染后继续用淡墨分染，然后再薄薄的罩一层曙红或者大红让墨色沉下去即可。最后罩染的颜色可不能再厚了啊。赭石不要用现成的（普通颜料质量差），自己用朱磦调墨来配置，这样就不会有渣滓了。




示例图1：
工笔画，顾名思义就是用工整细腻的笔法描绘出来的绘画作品。不管工笔画的画风如何变化，技巧如何变化，写实和意境如何升华，但是其工整、细腻的整体风格是不会变的，这也是工笔画区别于写意画的最重要的特征。一张好的工笔画，应该用色通透、笔法干净。所以，脏与闷的问题必须要得到解决。本图的几张习作是来源于工笔画爱好者的作品，这些习作主要的弊端就是用色沉闷污浊，染色不匀净，设色不细腻。





示例图2：
这里示范了两张工笔花鸟作品。其中左边这张是临作的高清局部图，通过局部图我们能很清楚的看到作品中用色、用线的严谨与细腻，以及颜色的透明感。绘画中的细腻不仅仅代表染色遍数的多寡，更重要的是“精微”，也就是对于所描绘对象深入的、接近本质的去做出更多的理解与分析，并通过分染、提染、复勾、复勒、丝毛等描绘技法来表现在我们的画面上。除了设色技巧以外，颜料的使用技巧也比较讲究。比如用酞青蓝加微量墨调和成花青，用朱磦加墨调和成赭石，就比普通盒装的颜料要细腻许多

26、罩染和统染有主要区别在哪啊？繁花簇簇或叶片重重的好像统染比较重要是吗？另外最后复勾边线时的用色怎么理解，是不是要用比染色较深的颜色呢？
答：罩染和统染是不一样的。罩染接近平涂，譬如：叶子最后罩染草绿，到尖部微微染淡开些。统染则是物体大关系上的统一渲染，其实就是一种大面积的分染。你对复勾的线条的颜色理解的没错，通常就是用其同类色的深色（加大量水）来复勒而已，经过复勒以后，需要描绘的部分会显得更加柔和、细腻和滋润。




示例图1：
这里示范一张牡丹作品的绘制步骤局部示意图来解释罩染和统染的区别。第一步是“平涂”，而第二步就是统染，这里没有考虑到三根叶筋的结构变化，只表达叶子根部深尖端淡的总体明暗，也就是说是一种照顾全局的统一的染法，所以称为“统染”。而第三步则是强调局部的明暗变化，将统染的明暗进行局部分解，也就是我们通常所说的“分染”。最后，要将整片叶子都罩上一层草绿，让叶子由开始的花青色变成绿色，有些到了尖端的地方，绿色要略微淡一些，这种大面积大范围的罩色略带分染的过程，就是“罩染”。




示例图2：
复勒的功用是比较广泛的，比如凸显局部、体现色晕、强调明暗、润泽画面等。这里示范的作品局部图，采用了多种复勒手法，既有用淡色整体复勒的，也有局部提勒的，还有叶筋两边衬勒的，都是为了画面的效果而服务，并没有什么固定的模式。




27、上色使用复合色有时会使作品显得有点脏，怎样处理这个问题呢？
答：复合色不能调的过多，否则色彩肯定会偏灰。尤其是国画的颜色本身纯度就不高。所以，遇到比较微妙的颜色也可以通过多层罩染颜色来处理。譬如：紫色的你可先用花青色来分染，随后上面再罩染曙红，最后调一层紫色（酞青蓝＋曙红）薄薄的平涂一遍也是可以的。




示例图1：
色彩的色相表现上主要分为原色、间色和复色这三大类。其中红黄蓝为“三原色”。原色是指不能透过其他颜色的混合调配而得出的“基本色”。而间色是指用等比例的两个原色调和而成的色彩，也只有三种，就是橙绿紫这三种颜色。另有白色和黑色分别是亮色和暗色而非彩色系列，其余的所有色彩都是属于复色。这里将西画中的色轮按照中国画的色彩来进行命名，虽然某些色彩的名称或色相不一定完全准确，但是色彩调和的原理是完全一致的。




示例图2：
所谓的复色，就是由三种原色按不同比例调配而成，或间色与间色调配而成，也叫三次色，再间色。因含有三原色，所以含有黑色成分，纯度低，复色种类繁多，千变万化。由上述资料，我们可以知道，复色很多的，但多数较暗灰，而且调得不好，会显得很脏。但是复色正因为其丰富性，如果用得好的话，画面会比原色或者间色绘制出的画面更加的微妙、耐读。现代工笔中，用各种丰富的复色来绘制画作是主流表现形式。这里贴出笔者以各种复色为主基调绘制的作品。




28、我比较爱画荷花与牡丹，我想请问一下老师，牡丹的上色是一次性（纯色）上完色，还是分多次（混合色）上比较好呢？
答：这样根据花头的颜色来区别对待。譬如说：粉红的花头，用曙红分染，胭脂略略提染就可以了。但是像碧玉那样的绿色花头，我就是先用三绿加白色平涂，然后用三绿加墨加草绿分染，每染一次后用重新兑一点花青墨逐次加深，那就算的上用复合色啦。学画画不能呆板，一切得为作品服务！因为所有的线条、设色技巧都是为了画面意境、效果所服务的。当然，单纯的墨戏除外。




示例图1：
不少初学的朋友在染色的时候，喜欢用一种色彩染到底，比如画粉红花头的时候，从头至尾就用一种曙红色去画，结果画到最后越来越红，但是色彩就是深不下去。还有用花青分染叶子也是，因为花青本身的色相暗度和黑色相比还有相当一段距离，所以，即使染得非常厚，但是暗部的叶子还是无法深入。其实这时候我们将色彩中稍微加入一些黑色、蓝色之类的暗色，就很容易进行后续的深入了。这里展示几张初学网友的工笔画局部，虽然染色还可以，但是就是因为没有产生脱离“纯色”的概念，所以画面的色彩非常浓艳，却又没有达到自己想要的色彩效果。




示例图2：
这里所示的同样是粉红或者其它纯色花头，但是因为复色关系的合理运用，所以花头艳而不俗。花瓣暗处，加入如胭脂、淡墨等暗色以后的提染，以及后期花瓣亮部的白粉提染，都能起到降低花头色彩纯度的效果，不会让画面的色彩显得过于单一和浓艳。



29、最近完成一幅丹顶鹤，可是梳毛的白色就是掌握不好。白色加点水干了看不清，纯用白色又不自然。请问应该怎样才可以自然而不失本色？
答：首先，你打了背景色没有？其次，鹤的暗部渲染了颜色么？如果纯粹在白纸上画当然不行，另外鹤的白色部分即使没有打底色你也最好在上白粉之前薄薄地平涂一层底色，这样，丝毛的效果就容易出现了。目前你丝毛效果出不来估计还是底色不够的问题，白色也可调和的浓一点来丝毛。




示例图1：
在浅色背景上画白色物体时一件比较头疼的事情。要么是白粉底色薄了，画不出白色的感觉。要么是白粉底色厚了，丝毛根本无法体现。还有可能是分染的过了，白色的物体显得脏了，无法画出洁白的感觉。还有的初学者面对白色物体时根本不敢刻划，最终的完成作品上白色物体显得特别苍白。这里所示的两张工笔爱好者描绘白色物体的习作，或多或少都有上述问题出现。




示例图2：
本图仙鹤就是绘制在很浅的底色上。先打一层淡淡的仿古底色，随后分染的色彩也不要太浓，提染的白粉别过厚，再用浓白粉丝毛，整体感觉既洁白，丝毛的效果也能体现。而鹦鹉则采用四周用淡色烘染的手法，同时重点刻画羽片的结构变化，也能突出的显示鸟羽洁白的感觉。




30、请问一般勾线有什么样的顺序规则，比如说草应该是从草头开始勾线呢？还是应该从草根开始勾？
答：勾线一般是从根部开始勾的。总的来说，从粗的地方往细的地方勾比较顺手，起笔稍微停顿后徐徐勾出至尾部时略收锋，和书法的笔法基本一致。长的水草和竹叶等也可直接顺势飘出，不回锋也可。





示例图1：
本图是牡丹叶子的勾勒示意图。通过红色的箭头，我们可以很清晰的理解行笔的先后秩序和行笔轨迹。一般来说，都是从根部起笔，然后逐步往尖端画去，或者由暗部起笔逐步往亮部画去。但是我们也不能教条的理解线条的行笔秩序，关键还是要画的顺手，要能最完美的表达线条，并使得线条符合明暗、空间、弹性、节奏等方面的审美要求。




示例图2：
这是笔者勾勒的几张白描的局部图，从局部上能看到线条的质感、粗细、起笔、收笔、节奏、弹性等都是有变化的。白描的训练没有什么捷径可走，只能靠多加练习、勤于思考来获得进步。