偶看新闻啄木鸟av中文字幕种子:古典吉他初学者必读
来源：百度文库 编辑：偶看新闻 时间：2024/04/30 05:49:57
基础训练
为什么要做音阶练习？
1.大多数音阶，左右手8个手指都用的上，练习音阶可以训练手指平衡能力。
2.音阶练习可以熟悉指板音位，全部音阶由24个大小调式组成，而我们接触最多的
欧洲音乐，几乎全部属于这些调式，熟悉了音阶，也就大体上熟悉了这些调式。
3.实际上音乐就是由完全或不完全的音阶组成的，尤其是旋律声部。
4.音阶看似简单，其实严格要求均匀、快速、颗粒感的话，是很难作好的。
5.在音阶练习中加入不同的节奏、重音、并力度，并使用所有能够想象的到的右指
组合，（我要求学生使用im、ia、ma、pi、pm、pa、ich、mch、ach、ami、ima、mia、mai?
ima、pami等等凡能够想的到的组合来练习，有的组合可能缺乏实用性，比如ch指加入的组合
，但对训练右指作用极大）会发现音阶练习真的很博大。
6.音阶练习对左右手协调能力训练作用极大。
我个人的感觉，经过训练 ch 指后，a 指难以控制自如的难题似乎迎刃而解。其实练习
手指无非是练习大脑对手指的控制能力，手指、耳朵接受并反馈信息，经神经传输，大脑分析
判断、发出指令，神经再传输回去。控制能力的训练是全面的，我以为不应当因为 ch 指用的
少就不练习。
音阶练习常见的缺点：
1.做不连贯，象弹顿音。
2.颗粒感差，含混不清。
3.音色、力度不匀、缺乏统一性。
4.右指各指没有独立的拨弦动作，有时是一个手指带出了另一个手指。
5.左手指移动时多余动作过多。
6.只强调速度，忽视声音质量。
7.在四五六弦左指不能作到直起直落，杂音太多。
8. 缺乏音乐性，表情干巴麻木。
音阶练习的基本要领：
1.手指垂直起落，抬起时的高度不可过高，以一厘米左右为宜。
2.为了连贯，下一指按实前，前一指不能抬起。
3.左手始终保持恰当的弧度，不能因为换弦而动作走形。
4.左指尽量垂直与指板，以指尖按弦，
5.发力以按实琴弦为准，不能太大。左指动作要连贯、柔和、自然。
6.速度不能求快，应以能够清晰、连贯、均匀地演奏为准，逐步提高。
7.高把位注意声音控制，不能“虚”，右指适当加力。
8.最低音和最高音最好强调一下。
9.右手各指一定要独立完成每个拨弦动作，不能“顺势”带过去，注意想邻的音音色要统一
，力度也要统一。
10.最好加上不同的节拍、力度练习。
和弦的同时演奏
吉他上常用到的和弦齐奏有两个、三个、四个、五个到六个不等，其中最基本的形式是
四个音的和弦齐奏。四个音的和弦正好用到了右手每一个拨弦手指。两个音的同时演奏只能奏
出和弦的部份组成音，很多时候是用来演奏和声音程，即一同发声的两个音，或称双音，弹双
音时只用pima四个手指中的两个就行。五个音或六个音和弦齐奏时则必需用其中的一个手指快
速拨弹两三个音，最常见的是p指或a指扫弹，有的演奏家甚至会用到很少使用的右手小指。
整齐和响亮是和弦齐奏应达到基本要求，为达到这两个要求：①左手在演奏和弦时ima指
应尽量并拢，以一个整体用力来拨弦，这样弹出的和弦才能整齐，在时间上一致，在音量上统
一。如果右手手指互相分开弹奏和弦，就会出现和弦松散、不整齐、音量大小不一致的现象；
②和弦齐奏在技术上实际上是多个不靠弦的同时演奏，在弹和弦时右手p指和ima指应一起用力
把弦捏起来，并作出一个向下的绷弦动作，然后再弹响和弦，这样才能使和弦响亮，有时和弦
中隐藏着旋律进行时，还需要弹旋律的手指多用力向下绷一些。如果右手弹和弦时没有绷弦或
捏弦动作，并且发音时手指向上勾弦，那么弹出和弦肯定会声音单薄微弱，音色粗糙难听。
消音的技术
在音乐演奏中有两类声音需要消除，一类是杂音，如左右手在接触弦和在琴弦上移动时
蹭弦（尤其是低音弦）的声音，左手按弦位置不正确或右手错误钩弦产生的打品声音，左手音
没有按实产生的杂音，左右手碰到正在振动的琴弦发出的嗡嗡声，不必要的滑音，其他还有如
脚打拍子的声音（练习时除外），粗重的呼吸声，还有乐器不合格产生的种种杂音，这一类杂
音应在基本技术的学习中和练习的过程中得到有意识的避免和解决。第二类需要消除的音是演
奏中不必要的乐音，吉他演奏中的消音技术主要是指这一种，消音技术是吉他技术中最常被忽
略的技术之一。在音乐演奏中如何控制一个声音比发出一个声音更为重要，何时停止这个声音
是控制的重要部分，这正是消音技术应该解决的。
常见的需要消音的情况有如下几种：①休止符，休止符不能仅仅理解为不弹就行了，除
了在乐曲开头、段落开头和暗示节奏的休止符以外，大部分的休止符实际上都是要用消音技术
“演奏”出来的；②乐曲终止或段落、乐句终止时；③为加强旋律的分句和在音乐句逗、呼吸
时有潜在休止符的地方；③和弦低音变换时消除低音对和声清淅度和和协度的影响，这其中也
包括弹强音时低音空弦被激起的共鸣音。④断奏或需要以顿音加强节奏感的段落。
消音的方法千差万别原则上能使不需要的乐音停止发声的方法都可用作消音技术。总的
来说，消音技术从消音所用的手的部位不同可大致地分为两大类：第一类是用拨弦的右手手指
或按弦的左手手指来直接消音的直接消音法，如右手发音后以拨弦手指指尖肉垫按住琴弦消音
，或左手按弦手指果断放松，浮在琴弦上来消音。第二类是用正在按弦和拨弦的手指以外其他
部位来消音的间接消音法，常见的有：用右手手掌小指一侧或拇指根部按住琴弦消音；右手拇
指靠完弦后以指甲侧面的指肉触靠相邻的低音弦消音；左手手指伸直迅速按触琴弦来消音。
好的圆滑音、轮指，“既不是一种特殊技巧，也不需要专门训练”，而是左右手机能的全面
反映。一个人左手各指能弹好各种类型的圆滑音，就说明他左手一定有能力弹好音阶。右手能
弹好轮指，也就有能力弹好音阶与琶音。
圆滑音弹的好，首先是要求各指的独立平均，和良好的运指挥动能力。不能专门过多练圆滑
音，圆滑音是练习的结果而不是练习的方法。原因如下：试用无名指按弦，再用小指不断练弹
上波音----由于无名指一直按弦，其独立力量一直会增长，而小指相对地按压指力会逐渐弱化
，这样的结果，只能是越练越差：小指打压无力。在“343--”这样的圆滑音指法里，4指按下
的发音力度，国人往往偏小，而最后的4指拨出的音反而音量较大，4指能否按压出较强的音量
力度，在这一点上，大师与普通弹奏者高下立辨。
右手轮指也一样。这个原因较复杂，看完下面的原则性分析以后就会更明白。先大概说一下
：由于轮指是正轮指，只练从ami的顺序，而重要的是要能弹好反运指
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:45:00 2# ：ima，否则，只练正轮
指，轮指不但弹不好，且也会越弹越差：a指会越来越弱；且在别处无轮指时，a指一旦弹独立
的长音，而m就会习惯性地跟连，出现杂音或错误。
1、 半音阶的练习：这是最基本也是最重要的训练，它不仅可以练习右手，而且能够帮助拉
宽左手按弦的宽度。练习方法如下：以慢速（spead=60）练习，要求音色、音量一致，速度均
匀,逐渐提高速度，注意的是每天练完后，要把速度从你练的极限往回调整一点（比如你今天
从70的速度开始练，练到85就上不去了，那莫你把速度调到80再练，这样可以巩固你的速度不
会掉下来）。 2、 分解和弦的练习：练习方法同上。参考教材--《卡尔卡西古典吉他教程》
中的分解和弦练习。这是一个练习右手综合能力的方法，为练习曲和轮指打下基础。这里需要
注意的是每条练习的重拍要清楚，三连音弹得要均匀。《随想曲24号》最后一个乐章大部分指
法都是分解和弦的指法，四连音速度在200以上，所以大家不要忽视这条练习。
半音阶的几种练法
半音阶是非常重要的一种练习，但很多人不知道如何正确去练习，下面，我介绍几种练习方
法。
1、 初级练习：（1）以四连音为一组，速度从60开始到100;
(2) 以三连音为一组，速度从80到120。 以上练习要求速度稳定，以重
音和弱音分别练习。注意右手在弹弦时要两指轮流拨弦，因为练习中有空弦音，每根弦的拨弦
次数是不一样的。
2、轮换手指拨弦：右手的指序为p、i、m、a指，分为以下几组，
（1）i、m ；m、i ；（2）i、a ; a、i ; (3) m、a ；a 、m。
(4) a 、m、i ；i、m、a 。
3、做好以上练习后，可进行中级练习：
用前附点音符和后附点音符进行练习。速度从60开始，逐渐提高。
以上两种练习方法可同时进行，主要看练习者的练琴时间是否充足。
左手扩指练习
左手扩指有两种练习方法。
1、 在练习半音阶的时候，左手所有按过弦的手指保留在原来位置，力量用在打开指根部宽
度上，尽量慢一些，慢慢的打开它，以免手指韧带拉伤。注：每一根手指连着一根筋，其中，
二指和三指的筋是一根，所以在练习时，要着重练习二、三指的扩指。
2、 这种练习方法适合于有一定基础的朋友，左手指序为4、3、2、1，分别按住4、3、2、1
弦的12品、11品、10品和9品，练习时一指向下移动到8品，保持按弦位置的正确，不要出来杂
音，2指从10品移到9品，3指从11品移到10品，4从12品移到11品。右手拨弦顺序为4、3、2、
1、2、3弦（六连音节奏），每移动一根手指右手就要弹一遍节奏。当左手手指全部移到第八
把位，在按照上面的顺序往下移，一直到第一把位。注意：左手在移动过程中，手型尽量不要
歪，要正对琴颈。（三品以后手型可以倾斜一点）
当做完一弦到四弦的练习后，在二弦到五弦上面做，最后是三弦到六弦。这个练习要循序渐
进，最忌贪快，不要把上面介绍的三种方法在一天之内做完，这样会很容易使左手受伤，切记
。
补充：上面介绍的第二种方法中的第一种练习不需要一次做到一品，做到手感觉酸的时候就
停下来，下次从停的把位开始继续往下做。
练习之前，我们首先要明白练习目的，而基础训练的目的就是学会正确的右手弹奏法和左手
按弦法，最终最大限度的独立和控制我们的每一个用于弹琴的手指。
最理想的条件应该是有个合格的老师指点了。现代派的弹法中有的流派主张用非靠弦奏法弹
出靠弦奏法的音色。而作为初学者我想对此仅做了解就可以了，一开使右手一定要学会正确的
靠弦奏法，《卡而卡西古典吉他教程》中对靠弦奏法的解释是：弹完弦的手指停靠在临弦上。
而实际上一个完整的靠弦奏法过程应该是这样的：1，放松的触弦（触弦点应该是手指的左侧
指肉指甲同时触弦）2，压弦（绷弦）用指跟关节的力量把弦压到斜下方（指板方向）这时其
他手指不要紧张。用拉弓的例子比喻最恰当不过了，这是就好象拉满的弓一样。3 放弦。放弦
时第一关节（指尖关节）要放松，这时的动作决定了你弹的音色。一只拉满的弓，要是偏偏不
在拉满的时候放，一样达不到最远的射程，我们放弦的道理是一样的，要使弦充分的震动起来
。4，弹完弦的手指完全放松后在进行下一个动作（聆听你弹的音色）“完全放松”可以理解
成我们在一开使摆上右手时的那种放松的感觉。非靠弦奏法的拨弦方式是和靠弦奏法非常相似
的，只是弹完弦的手指不碰触临弦。
左手按弦时不要碰触到临弦（竖起来按弦），需要注意的是在一个把位上左手的拇指固定在
琴颈背后的中央与2指相对的地方就不要动了，左手按弦的手指应略向左倾斜，也就是左手按
弦的手指的指甲与品格之间不要成90度，要小于90度，这样的按弦是比较符合左手的生理特点
的，更有利于左手的扩张。按弦要到位，所谓的“到位”就是指按弦的手指接近品格而不按到
品格上。手指在按弦时各个关节自然弯曲，不要出现折指和萎缩的现象。
注意并认真做好以上要求，接下来就可以进行音阶练习了。在练习音阶时首先的要求是慢！
这个慢里实际上包括了以上所有的要求（我想这时你要是做到以上每一个要求，恐怕想快也快
不来的）那什么时候才能快呢？我的观点是在掌握熟悉了右手的正确的拨弦方式以后自然的提
高速度，当然最好是能快也慢练。接下来就是听！听你弹的音色！如果你是用i .m
或m.a,或p,i的靠弦奏法去弹奏音阶，那么除了听音色以外还要听两指所弹的音的音量是否一
致。至于音阶要用渐强或渐弱的方法去练习是你在掌握了以上课题的基础上再做的。最后就是
看！也就是用你的眼睛去观察你的左右手，还要去看曲谱呢。对于初学者右手盲弹是十分不恰
当的，可以分三个阶段吧，一个是单独的右手练习，这时要完全用眼睛观察，及时的校正，第
二是半盲弹，也就是说一边注意左手，一边注意右手，。第三是完全的盲弹，这时眼睛只看谱
子和偶尔的看一下左手。在琶音的练习中其实注意的问题是很相似的，所不同的就是i ,m, a
三指用非靠弦奏法（相信你在掌握了靠弦奏法后，也会很容易的找到非靠弦放弦的方向）而不
是象《卡而卡西古典吉他教程》上说的“钩弦”“弹完弦的手指弯到掌心方向”这时注意听听
你的非靠弦的音色吧，可以试试看看怎样能获得用非靠弦奏法弹出靠弦奏法的音色。
其实这样的基础练习不仅仅实用于那些用功的初学者，对那些弹了很长时间的琴的，但从没
有进行过此种训练的的朋友，也是非常的适合的，每天坚持认真的做这样的练习是琴艺扎实，
正确进步的关键和必经之路。
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:46:00 3#
R - Raimundo M - 愤怒的蚂蚁
M：R兄怎么看待靠弦这个技术呢？
R：赫赫，这个其实是一个很老的话题了，不过也是一个充满争议的话题。以前大家对靠弦是
很重视的，把他和钩弦作为古典吉他的两种基本的拨弦方法来看待的。前一阶段突然有一种趋
势，就是一切都要不靠弦了，靠弦似乎成了过时的奏法，演奏水平的高低要看会不会用不靠弦
来发出靠弦的声音了。我想这很大程度上受了陈老师的学生们影响，他们用不靠弦弹出了漂亮
华丽的音色，因此就较少的应用靠弦动作了。时至今日，我们了解到了越来越多的拨弦理论，
像卡雷巴罗学派以钩弦作为基本动作，在此基础上加入固定点的概念得到了靠弦，这是一种追
求音色变化的方法，他们把靠弦作奏出饱满强壮音色的方法。而有的流派，则以靠弦为基础，
在靠弦中加入控制，得到不靠弦的动作，这样靠弦就成为了一种基本练习的方法，和偶尔用来
演奏强音的手段。从我的所学上看，我个人是比较倾向于第二种方法的。
M：呵呵，我也是倾向于你说的第二种方法。在实际的学习中也是按照第二种方法来的：）事
实上靠弦与不靠弦的手指运动方式是一样，关键的不同就在于放弦以后的手指不在停靠在临弦
上，也就是放弦后的手指是有“控制”的， 那么可以看出在一开始要首先掌握靠弦的正确的
运动方式，并得到理想的靠弦音色是很重要的，熟悉后只要训练手指放弦后的控制就可以达到
比较理想的音色。那么R兄是怎样理解靠弦这个动作的？
R：赫赫，原来蚂蚁兄也是这个流派：）想要理解靠弦这个动作，就要在特定的演奏技巧体系
中，正如上面我说的，在不同流派里对于靠弦的认识就是不一样的，因此，我想我们只能说，
在我们所掌握的演奏方法中对靠弦的认识是什么。这个声明也许是显得有些没有必要，但是这
个问题的争议实在是太大了，我想任何的谨小慎微都不为过的。那么好，在规定了谈论范围之
后，我可以说，在我的认识里，靠弦是一种基本的动作，这个动作在一定的程度上利用了手指
运动的惯性，因此可以说最基本的靠弦是一个没有完全控制的动作，不知蚂蚁兄怎么看？
M： 呵呵，我也完全赞同R兄的观点，那么我们就从“我们这一流派”来说一下靠弦这个动作
吧~在我的认识中靠弦的动作虽然是一个整体的瞬间的动作，但要细分起来，我觉得有以下几
个步骤还请R兄指正：1，放松的触弦（触弦点应该是手指的左侧指肉指甲同时触弦）2，压弦
（绷弦）用指跟关节的力量把弦压到斜下方（指板方向）这时其他手指不要紧张。用拉弓的例
子比喻最恰当不过了，这是就好象拉满的弓一样。3 放弦。放弦时第一关节（指尖关节）要放
松，这时的动作决定了你弹的音色。一只拉满的弓，要是偏偏不在拉满的时候放，一样达不到
最远的射程，我们放弦的道理是一样的，要使弦充分的震动起来。4，弹完弦的手指完全放松
后在进行下一个动作（聆听你弹的音色）“完全放松”是靠到临弦上以后才开始的，可以理解
成我们在一开使摆上右手时的那种放松的感觉，也就是说，放弦后到靠到临弦上的这一阶段手
指实际上受到一种发力后的惯性所摆布的。
R：赫赫，蚂蚁兄用的是一个经典的靠弦的比喻，分析得也很详细，我想我们这里讨论的靠弦
应该是一种较为初级的靠弦的动作，在这个动作中，控制的成分比较的少，仅在触弦、绷弦和
离弦三个阶段用到了一定的控制力，而离弦之后就依赖惯性了，我想这种方法由于其中的惯性
因素，很难在速度和控制上有所作为，不像是一个完整的演奏方法，而作为一种练习的方法似
乎更好，这样，练习者可以把精力全部集中到触、绷、离弦的控制上去。我认为的演奏上的靠
弦应该是一种控制了的靠弦，这个动作是不同于最基本的靠弦的，其最大的区别就在于离弦之
后并不是完全依赖惯性停靠到邻弦上的，而是演奏者有意识的去控制这个“靠上去”的动作，
因此，动作幅度和力度是可以完全控制的。也就是说，无论是触弦前，触弦，绷弦，离弦还是
离弦后都是在有意识的控制下完成的，因此可以称作控制了的靠弦。
M： 呵呵：）R兄所讲非常的明确，我也是这样认为的，就是实际上靠弦在实际的应用中应该
是“完全控制”的既“靠也可，不靠也可”就算是靠到弦上，也是“有控制的”实际上的与初
级阶段的靠弦练习最关键的区别就在于放弦以后的控制了：） 听过你不靠弦的音色，觉得真
的很好，几乎很难听出与靠弦的差别来，那么R兄是怎样的方法来训练这样的控制的呢？
R：这个其实也是从控制的靠弦过渡来的，其实就像蚂蚁兄在其他帖子里说的“任何的惯性的
手指运动都是错误”，我想控制的靠弦的训练主要的目的除了在曲子中应用之外，更多了就是
建立一种对拨弦的完全控制能力，也就是摆脱惯性的能力。到具体的办法上，我想这个差异也
很大，我谨说说我的方法，大家探讨一下，我认为在控制的靠弦这个动作里，有两个关节是很
重要的，一个是大关节，也就是我们说的发力点，这个关节的力量感很强，还有一个我个人认
为应该是指端关节，这个关节灵活性差，力量也差不过由于接近指端，导向性很好。因此，我
在做控制的靠弦的动作里，离弦之后，会加强对这个关节的控制，以它来引导手指的走向，最
后达到控制的靠弦。在这个过程中，其实对手的控制已经得到了很好的训练了，在做起不靠弦
，只不过是对离弦之后进一步控制，使之不靠到弦上而已，动作完完全全和控制的靠弦是一样
的，我得不靠弦的声音之所以和靠弦接近，也就是这个原因（赫赫，其实我个人喜欢把不靠弦
称为“完全控制的靠弦”）。
M：看了R兄说讲，我觉得也受到很大的启发，尤其是指端关节来控制放弦后的手指，我觉得
尤为重要呵呵：）这应该是在从靠弦到“完全控制的靠弦”的过程的一个训练的重点吧~
R：赫赫，这个也只是对我比较有效的一个方法，希望大家试试再看效果如果：）
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:48:00 4# 左右手
古典吉他学习的左手手指发力一些注意要点
左指一定要注意“动作节约”“力量节约”，否则会很累手的，尤其虎口。
左手指发力一定要仔细控制，实际上不需要象很多业余爱好者作的那样那么大的力气。
请时时分析：1、2、3、4指是否用力过多，每个手指，每个音符，每个组合指法都要仔细看一下。究竟有没有浪费掉的力气。养成习惯。很多人弹吉他时说左手虎口累的疼，原因可能不在乐曲本身的难度，而是演奏者本人使用了太多的额外的力气，作了太多的“无用功”。
我虽弹的不好，但可以连续不间断地演奏《教堂》《24号随想曲》《大独奏曲》《大序曲》《梦中的森林》《卡伐帝那》六首（约需40分钟）而不至于引起虎口和左指尖的疼痛。在此并不是要炫耀自己会弹这些曲子，而是我亲身实验过的。
演奏家们弹高难度乐曲时的驾轻就熟，一方面是他们手指耐力较强，更主要的是他们不会去用多余的力气。
左指就象四个小天鹅的舞蹈，力度要尽量作到“恰当”，一点都不能多用。
而且还要分析乐谱，有意识地找出空弦、休止、或单音处作为演奏过程中休息手指的“临时休息室” 这个问题相当重要。
对初级学生，这个问题必须时时强调，以免以后发展成那种僵硬的、过重的、不自然的手指运动方法。
可以这样讲，弹吉他其实左手并不太累。至少不想很多业余教师夸张的那样。
象《华丽》这样的练习曲如果练起来很费劲，建议先不要练，回过头去检查一下基本发力方法和动作吧。并且，《华丽》的本质并不是训练手指耐力，可以说，任何一首练习曲都不是为了训练耐力。
3.右手的放松
很多演奏吉他的人，只注意左手的放松，却忘记了右手也是一个需要放松的地方。放松的主要问题：手指(或手掌)张力的过份紧张，手指弹弦之后没有放松。一般而言，右手的手指在拨完弦之后要回到原本的位置，并不是刻意，而是出力完，手指会自然的回去原本位置的地方。
可以做个实验：将手拿起来自然的放松，然后任一手指可以用点力向掌心内弯曲，然后出力之后立刻放掉力气，会看见手指会很自然的回去原本的位置(或相当近似)，故拨弦亦同。
如果要得到比较好的音色，比较大的音量，势必要将弦在拨弦的时候将弦向下压入，或者使用止弦，这些动作容易使手指产生僵硬，更要注意触弦之后的放松，要缓慢练习到轻松自然的完成。
4.右手预备消音
吉他没有像钢琴一样的踏板装置，所以在一些和弦变换时，没办法像钢琴一样利用踏板来防止前一个和弦的音渗入下一个和弦(如果和声进行的目的不允许时)。那么右手的手指可以用来充当消音器的角色。
动作的顺序在于：
(1)和弦变换前将手指放在想要消音的弦上。依情况，一条或以上。
(2)左手手指离开弦，至下一个目标。
(3)左右手手指同时压弦及拨弦。如果有用来消音的手指不必拨弦，在拨弦同时仍可以置于弦上。
[ point ] 吉他是一种共鸣很强的乐器，我们弹出一个和弦，在消音同时，吉他会有和声的泛音残留，以及人类在声音突然中断时听觉会产生暂留，所以当右手预备消音的动作相当快的时候，它可以用来防止音与音的中断。当然不管在吉他或钢琴上，因为时间差的关系，跳跃前后的两个音不可能完全连接，但好的演奏者依然可以使乐器歌唱。
7. 右手跨弦
所谓跨弦，举个例，用i指弹第三弦，接着用m指弹第二弦，最后用i指弹第一弦，就会发现到最后的步骤有跨弦的情况产生。
依照正常人的生理，跨弦可能有以下几种方法：
1. 将手腕向离开面版的方向拉高，手指会自然伸张，可以自然的弹到其它弦。
2. 直接改变手腕的角度，由垂直弦至平行弦，可以自然的弹到其它位置的弦。手指触弦的角度也会随手腕角度的变化而变化。
3. 手指触弦的角度不变，手腕的角度改变，以手臂靠在吉他上的点为支点，利用手臂位置的拉高或降低的改变，可以自然的弹到其它弦。
4. 手指触弦的角度不变，手腕的角度不变，改变手臂上靠在吉他上的支点位置，来回滑动，可以自然的弹到其它弦。
5. 不在意手腕手臂，手指直接伸长缩短去弹要弹的弦。
在此只列举一般常见的情况，依个人习惯的不同亦有差异。
8. 右手的定位
因为吉他是两手并用的乐器，所以右手是左手一个重要的定位点，若是右手的触弦不稳定，左手也容易失去方向感。练习或演奏时可以在手指装上心眼，想象弦所在的位置，在弹出即将要被弹出的音之前，手指要尽可能靠近弦。又手指在触弦时，往往都会有一个反作用力，让手腕手臂震动，这是自然放松的现象，但不要让震动太过份表现出来，变成了摇晃。
关于左手放松之我见：
左手的放松像音乐性一样,是需要不断去练习的一件事.很多时候我们以为自己做的够好,事实上仍然应该继续去思考和改进.大师们能用“摸“的去弹吉他,只能说罗马不是一天可以造成的.
下面是可以注意的几点
1.镜子或者录像设备:
来看看是否有不自然的动作发生
2.利用“手腕“扩张:
扩张的关键.在于手腕用力或弯曲时会带动手指的聚合或张开
3.动作顺序:
首先是手臂到了位置.接着是手腕.最后才是手指
4.熟练程度:
不熟练的动作会带来精神及肌肉上的紧张.动作熟练了才会进一步放松
5.基本动作:
基本动作的价值在于帮助身体记得指板以及琴格的位置
6.手臂手腕的力量:
和弦的按法千百万种.重要的是了解什么情况该使用手腕的力量.什么情况该
使用手臂的力量
7.封闭:
练习控制手指对每条弦所施的力
8.不断练习:
不断尝试并归纳各种和弦的按法.思考如何放松
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:49:00 5# 右手拨弦方法： 1、首先是手姿：在手掌和手腕完全放松的情况下，抬到吉他音孔的斜下方，手腕保持一定的高度，（初学者可以把拇指放在六弦上，来固定手腕的高度）。其他手指轻放在一弦到三弦。 2、拨弦时用手指内侧斜压琴弦之后，迅速向掌心方向抬起，注意，用力的关节是手指第三关节（指根位置），掌面、手腕、及身体各部位要放松，哪个手指拨弦哪个手指用力。 拇指的运动方向有所不同，它是发力后垂直向下运动，发力方法和其他手指方法一样。
左手的正确姿势：
1 拇指作为左手按弦动作的支点，其位置不容忽视。我们可以用横向和纵向两个坐标来固定左手拇指的位置。
（1） 横向：拇指基本正对着二指的运行位置，也就是说，如果二指的位置在第二品，那末，拇指的位置也在第二品。当然也有例外，如果按弦的把位比较宽，拇指可在二指和三指之间。
（2） 纵向：位于琴颈的中部，不要超过四弦的位置，这主要是考虑到横按和弦按时的方便，古典吉他在这方面要求更严一些，有时，拇指会在二弦或一弦的位置，这样，使手指在按弦时不会受到任何限制。可在琴上自由行走。
2按弦时的角度及用力：
（1）按弦时，要求一到四指的第一关节垂直于琴弦（小指尽量垂直），手腕尽量放松，不要向后收；肘部自然打开。用第三关节发力。特别注意的是，其他不发力的手指要尽可能贴近琴弦，以保持其紧张性，为以后提高速度打下基础。
怎样一举解决您的手指的独立与平均性问题
首先解决柔韧性的问题。如果您的手指柔韧性难以解决，则说明您练琴已经太晚了。除拇指以外，每个手指的大关节，应当能在外力帮助下，能做到与手背垂直。这样的柔韧性是基本的。柔韧性不好，是演奏的一大障碍。许多小孩有很好的技巧，说明弹琴的阻力主要来自于手本身。试一下：用弹簧称把一个手指的指端套住并把这个伸直的手指拉到与手背垂直，看看弹簧秤的读数，读数越小，说明这个手指的柔韧性越好，弹琴时手指的自身阻力越小----练琴的年龄越小，柔韧性越容易保持。
有了基本的柔韧性，再练习相邻手指的独立平均。独立，就是相邻手指，有能力一个按压，而另一个抬起，反向运动，两组肌肉神经互不牵连，完全分开、独立。手指按压与快速抬起，用的是不同的肌肉，因为：肌肉的特性是能收缩和放松收缩。收缩给了骨节以拉力，却不能给推力。相邻手指的肌肉神经要独立，按压与快速抬起的肌肉要独立地发达。
要做到这一点，可以这样试练：
（一）左手中指按压：左手中指按压吉他的第六弦（也就是最粗的那根弦）的某一品，右手用拇指用力弹响，并一直保持发音，然后，左手的食指和无名指，再先后拨动一弦（最细的那根弦）。可弹成三拍子，第一拍是左手中指按压6弦、右手弹响的，这个音要保持延续三拍；第二拍是左手食指弯曲拨响的；第三拍是左手无名指拨响的。一定要慢练，就是要弹成慢三拍。然后，再在各把位练习。
这是练习中指按压时，其相邻的食指与无名指能够反向高抬。
注意：1、按压的手指，每个关节都要有一定的弯曲度，每一个关节即不要太伸直，也不要太弯曲，禁止同一个手指的一个关节很伸直而另一个关节很弯曲的不自然形状。不要求用指尖按压琴弦，而是用指肚与指尖之间均可。按压的手指，应与琴品平行。
2、左手拨弦的手指，要求指尖（指甲）要与琴的指板和琴弦都垂直----难度恰在这里----左手拨弦的手指大关节几乎负弯曲（即向手背方向弯曲），而左手相邻的按压手指的大关节是正弯曲（即向手心方向弯曲）---相邻的手指神经完全反向用力，促使神经分开。
（二）左手无名指按压：与上相同，只是把上面的中指换成无名指，而把食指换成中指、把无名指换成小指。要求也完全相同。
明显地，这个难度有所增加，许多人会觉得相邻手指的巨大牵连。开始初练时，左手的一个手指拨弦时，按压的手指可以稍稍用一点推力，以抵消牵扯。
（三）左手小指按压：与上道理相同，只是小指的相邻手指只有无名指一个，且一般小指较短，没必要按压第六弦，而须按压第五弦，然后无名指去拨动一弦。要求与上面的都相同。小指的中关节或小关节极不容易保持相应的弧度，要多加注意。
对于这样大的跨度，许多初练者觉得难度太大的话，可以先按压更接近一弦的弦，等练好后再逐渐远离一弦按压。
练琴时间：这个练习的争对性很强，效率很高，可以大大缩短纯机械技巧的练琴时间。一天集中精力练15分钟，几天就可明显见效。一般地，无名指按压的练习时间要多于中指按压的练习时间，而小指按压的练习则需要更多的时间----以增强弱手指按压的力量，使各手指的按压力量尽量平均化。
右手：上述练习，一样适用于右手。把吉他反抱，右手按压指板、按弦、拨弦，指型、动作、练法与上面的左手要求完全一样（只是实际发音不同，右手按压的手指按压的是高音弦，而右手拨弦的手指拨的是最低音的那根弦）。许多吉他手弹琴，右手触弦没有按、绷弦的能力，音色音量首影响，这个反练吉他的练习，可以很好地解决这个问题：右手的指力、独立性、按压绷弦的习惯、相邻手指的神经分离等等，都有莫大的好处，而且效率极高，几乎有立杆见影的奇效。
正式曲目的指法编排中，除了考虑音乐需要，一般也要考虑平均地使用各手指，使各手指的点击率不要相差太大，否则影响各手指的力量平均。
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:53:00 6# 正确的演奏姿势
首先，我认为要以身体放松和形体平衡为两大主要要点。这样才能保证双手的走位能够充份发挥。如果没有正确的姿势，肌肉会产生疲劳、紧张，一旦长期养成习惯，不仅难以纠正，更不利于提高吉他水平。至于有的教材说有时能够导致某种疾患，本人不敢苟同，认为言重。还是言归正传吧。
1、 坐姿：
我一般用40-50CM的凳子，当然，不同高度的凳子也要配不同高度的踏板。但是，没有必要规定是多少，因为每个的体形、骨骼不一样，也就是说要达到前面所说的两大要素，是因人而异的。所以凳子这点没有定论。当然，凳面应该平，不要垫软、厚的东西。还有一点，那就是臀部大约按四分之三的接触面是最好的（个人经验），即凳子的前部。
2、 持琴姿势：
不知道大家注意到没有，琴与身体通常有几个接触点：1、左大腿中间；这是最主要的支点。2、左胸（大概在乳上2-3CM处）受力最小的就是这个点，因为仅仅是吉他轻轻依靠的点3、右臂肘部内前大约4-5CM处 4、右腿内侧大约中间。这四个点就支撑起了琴体。当然，左手自然也算接触点，但是不是主要支点。至于琴体角度，大约是35-40度左右。有的大师在弹到高潮或者某些段子的时候，或许整个琴体会发生比较大的变化，这是正常的，道理我无法说，反正初学者开始不要管就是了。
左右腿的位置：，一般来说，踩凳子的目的除了使得更加平衡外，还使左脚膝盖稍微比大腿高些。所以有的专用踏板是可以调节高度的。左腿踩在脚凳上小腿尽量垂直地面，膝盖不要朝两边倾斜。为了省力与稳定，左脚全脚掌踩在踏板上。右腿应向右侧分开 30-45度。在长时间的弹琴中，常常通过调整右脚来调整身体，这是很多人都有体会的。有的教材还让初学者用右脚打节拍，我是很反感的，节拍是音乐素养之一，甚至是天生的，应该靠其他方法来锻炼。再说这种办法会极大影响初学者的琴感。 左大腿与琴体下侧凹陷部接触。这个接触点负担了吉他大部分的重量，请注意不要因为放上了吉他而使左腿左右歪斜。左大腿应和吉他侧板保持面的接触。不要仅以吉他侧板的前棱或者后棱与腿接触，尽管有些演奏家主张以此来减少身体对吉他振动的影响，但对于初学者和一般的演奏者来说，首先应考虑的是稳定与平衡。
有些教材中要求演奏者的头部或眼睛与琴头处在同一水平线上，我认为有些教条或者画蛇添足。万一初学者是一个上长下短身材的人怎么办？呵呵。根本就没有必要规定。
3、 左手与左臂的姿势
左手拇指面向食指侧大概中间处，是重要的用力点。大概在琴颈背后的中线部位与琴颈接触，自然地其他指遥相呼应，这样各指才好发力。；肘部自然下垂，一般随着走位基本是前后运动，不要左右偏移运动。也就是说比如大横按的时候，左手肘部是朝前运动的，这个很好体会。
肩部不要紧张，也不要试图尽量靠近身体或者远离身体。
手腕放松并自然弯曲，手指自然轻靠指板，与音品基本平行。手指、手掌、手腕、手臂成自然弧状。
4、 右手的几个要点：
持琴姿势正确后，右手前臂中部轻放在吉他侧板上，手腕、手掌自然放松、下垂，在音孔处分别把手指放在各弦附近，就可以开始了。
有几个要点要注意：
右手掌与各指应该养成自然与弦呈40－60度的夹角。（千万别太在意这些数字，仅仅是为了形象）
右手腕自然有拱度，位置高于手掌和手背。即手指、手掌、手腕、手臂成自然弧状。 5、上身的正确姿势：自然坐直，不要试图一直保持直，因为没有必要也不可能一直保持。送一两个字：自然。但也不能就弯曲。
左手的基本功技巧及其练习
1、 按弦与离弦的技术要领
按弦的时候手指首先应该尽量离音品近些，按弦时与离弦时方向应该垂直琴弦，这样能尽量避免杂音，尤其是演奏低音弦时更要注意
动作幅度不应动作过大、离弦时不要抬指过高。
练习方法：请参照《卡尔卡西》教材
2、换把技术
换把简单归纳无非是移动换把和跳动换把。不要认为换把只和手有关系，其实在换把过程中，左手肘部是力的发起点，然后拇指的移动和用力，才将换把体现出来。所以基本姿势的正确，是很重要的。要对换把达到熟练掌握，必须熟悉音律，这样，换把的时候先走哪个手指，如何达到紧凑，节省时间等等，真不是一日之功。
练习方法：请参照《卡尔卡西》教材
3、分解和弦
吉他除了有独特的演奏旋律、音色之外，更重要的是吉他同时还是和声乐器。
不论是学习古典还是民谣或是电吉他等，都要重视基本音乐知识的学习。 在音乐专业中，除去本专业的乐器演奏和演唱，还有如基本乐理、声学、视唱、听音、乐史、音乐欣赏等。其中声学就是研究和弦和和弦应用的基础课。有的吉他爱好者弹了几年的乐曲还不知道旋律、和声、曲式结构、乐曲背景是什么？
和弦分为两类，一类是和弦齐奏，即同时发音，通常记在一竖行上，所以也叫做柱式和弦；第二类是音不同时发出，而是按一定的先后组合顺序发出。这类的和弦叫作分解和弦，也叫琶音。
学和弦没有独特得方法，只有多练习多听。演奏分解和弦时，除P指应靠弦并尽量停靠之外，ima一般都应用不靠弦弹法。换和弦时尽量用上组和弦产生的音的延伸时差进行转换。
做不靠弦练习时，注意ima指应大关节发力，向下拨弦，不要有向上钩弦的动作。
练习方法：卡尔西二十五首练习曲中就有学习分解和弦的方法，具体哪首由于教材不在身边，忘记了。
4、横按技术：
同时按住四到六根弦的叫做大横按，同时按住二到三根弦的叫做小横按，小横按一般用食指最末两个关节即可。乐谱中，常用C、B、来缩写，后面加上把位的数字来表示。
注意以下几个技术要领：（1）按弦点尽量靠近音品，这样杂音小，省力。（2）一般用手指侧端着弦，道理一样。（3）拇指在后面、侧面相应移动并适当用力。
横按对于初学者会感到手指酸，但是持之以恒就OK了。
5、揉弦：
这是以种最基本最常用得吉他演奏技巧。即在弹出某个音符后，按弦手指不马上离开，继续在弦上揉动。一般用中指和无名指，少数用食指和小指。因为食指力度有却嫌缺乏柔性；小指柔性不仅稍微欠缺，且力度不够；当然，这不是绝对的。要根据不同的曲子、不同的走位和不同的人来定。接触点不要台靠近音品，一般在靠音品大概一半处外，这样效果才好。
6、音阶练习
这是吉他基础中最基础但是最重要的训练。通常不好用言语来表达。不过应该记住几点：（1）开始不要图快，要注意音的的间隔，尽量一致，除非曲谱有特殊要求。（2）注意左手拇指的移动、发力，以配合走位。（3）一定要记住手指按弦、离弦要尽量垂直，但是不要死板，比如在高音区低音弦附近的走位，如果用尺子来量，或许没有哪个大师能够“垂直”。
7、指力训练
所谓指力训练，一半指小指，因为其它手指一半都能够有充足的力度。我以前除了自己吧某些曲子改来练习外，还经常故意用小指揉、滑、颤，或者本来该用其它手指来弹的，有时候就多让小指。其实，不可能短期内完成这以艰难的课题。但是之所以在这里强调，是觉得初学者早就应该重视，靠时间、经验来达到目的。高层的左手技巧中，还有独立演奏，所以初学者必须开始就重视指力训练。
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:55:00 7# 9、圆滑音：
也叫“连音”，也有人叫“颤音”。它是吉他多种装饰音的基础。这其实算是比较高级的技巧。因为掌握不好很让人沮丧的。前提是对节奏、旋律掌握得如何加上手指尤其是小指的力度。缺一不可。有一种爱的罗曼史的前奏就有一段专门的颤音。还和右手有关。因为处理不好，就会有脱节的感觉。练习圆滑音还对提高左手各指的力量、敏捷性和控制力有很大帮助。大概分“敲击连音”和“拨弦连音”两类：（1）右手拨出第一个音，第二个音用左指敲击琴弦发音。（2）右手拨出第一个音，第二个音用左指拨弦发音。
还有三音连音和三音以上的连音，也有更长的连音，但其基本原理是一致的。我的经验是，必须先将指力过关这是第一步。
练习方法：《卡尔卡西》
10、消音
弹过小罗曼史的都知道这个技巧。有多种办法；有的用右手弹弦后用拇指侧立即轻触琴弦；有的用右手弹弦后用掌缘立即轻触琴弦；有的用左手小指伸直轻触琴弦；如果难的话，就难在解决双手之间、手指之间的配合度问题。例如如果用小指，那么消音后如果立即又有走位，是否会乱？如果慢些自然不会乱，但是影响整体效果…如果有老师的话应该不难克服。如果没有老师的话，只能靠多视听、多琢磨了。吉他演奏何众多乐器一样，十分讲究整体协调性。
练习方法：《卡尔卡西》、小罗曼史
右手的基本功技巧及其练习
1、 扫
弹过传奇的人，都知道什么是扫弦。扫弦有很多种扫法：（1）右手某个手指扫（2）右手几个手指齐扫（3）右手拇指扫
其实扫弦不是难在以上所说的，二是难在和左手的配合上。在什么延长音上开始扫？是滑扫还是击扫？前者是用手指从始弦很近的上方开始，比较含蓄地扫完。后者是用手指比较用劲地扫，不一定开初始弦很近。这的确不是即句滑就能够学好的，只有靠勤奋的练习、揣摩才行。根据我的经验，初学者最好用右手无名指+中指来扫，原因是：这样最节约时空；动作幅度小；容易学。如果今后根据不同的要求要变化，那时已经练触得很有经验了。当然，要注意根据曲子的表现度来决定在音孔附近哪个地方扫。
2、 泛音
古典吉他的泛音，音色晶莹，若清澈的钟声，故也有人把泛音叫做钟声。
泛音分为自然泛音和人工泛音两类
1、自然泛音：不用左手按弦，在六根空弦上面发出泛音称为自然泛音。一般在四品、五品、七品、九品、十二品、十六品、十九品上，其他品的泛音不清晰，几乎不使用。
演奏方法是将左手指（常用小指）伸直，轻触音品上方弦，当右手拨响这根弦的同时左手迅速离开。要注意的就是右手拨弦的位置要避开同一泛音的另一泛音点位置。
2、人工泛音：
人工泛音是以任何一个非空弦音，然后找到距这个音第十二品格的位置，类似自然泛音一样，用右手１指轻触泛音点，用右手a指（演奏低音弦时有时也用p指拨弦）在离泛音点尽量远处拨弹琴弦，在a指发音同时 i指立即离弦，就发出人工泛音。一般用8va、0ct.来表示。
推荐《樱花》
3、 击鼓
击鼓不是常用的技巧，不过有时候能够令曲子生色不少。方法是用右手拇指内侧击打琴枕，接触点不同也有不同效果，如在弦上方比较柔和，在枕木上比较厚重等等。在击鼓的时候，拇指通常有目的地击打高音弦，或者根据效果来选择。
击鼓要靠多练习才能够掌握。比较特殊的如谣滚吉他演奏西班牙斗牛士的时候，我常用中指、无名指在极短的回位间歇中击打琴面板，效果也很不错。
4、 轮指
轮指是吉他的高级技巧，之所以在这里说，是因为我认为初学者也可以在进行道一定的时候接触一下。轮指分大概四指轮、三指轮、二指轮、扫轮等。四指轮是用右手四个手指（除小指）连续弹奏某一固定的弦。三指轮是除拇指和小指；二指轮比较少见，一半是中指和无名指；扫轮是在三、四指轮的基础上，同时连续弹二根以上的弦，通常是1、2、3弦。
首先，指甲就有多种讲究。有0.5-1mm、1-1.5mm、1.5-2mm、2-3mm甚至更长的。所谓长的测量是：“平视，指甲尖超出肉线的长度”。每一种长度读可以演奏，但是针对不同的人却不一样。例如我喜欢留1毫米。这样力度够，动作幅度小、好掌握。但是熟练不够碰弦几率大。每种都有优点缺点。
光选择完长度是不够的，指甲形状也很讲究。有方型、椭圆、平边、尖边等，方型指右手四个手指的指甲两个侧缘饱满；椭圆指两侧缘苗条；平边指指甲弹弦一侧修成小平边；尖边指指甲弹弦一侧修成尖边。
因为不同的人轮指的时候，手指距离弦的距离是不一样的，甚至右手触弦的角度也不一样，因此导致不同的指甲外型有很多区别。初学者千万别小看这些区别。轮指不象左手，一旦你练上几年，到后来想改也几乎改不了你的手指走性了。
另外，开始学轮指的时候，不要快，一定要慢，因为你必须使得各手指的间隔幅度一样，宁可“答、答、答、答”地清晰地练习，没有必要用眼睛，用你的耳来纠正。
一旦你的右手指养成间隔幅度一致的习惯走性的时候，你再怎么放誓地弹都OK！
右手拇指指甲要求不高，就是在练习的时候要把握好“度”就可以了。
要注意轮指的时候幅度要尽量小。还有，轮指不是靠快来证明水平的高低，而是看弹得味道。
5、 右手的位置
一半都在琴孔附近，这里的音色最饱满、醇厚；有的曲子要求当然会有变化。如在靠琴枕处，这里的音色尖锐；反之则十分柔和。这是细节，不多说了。
五、 两个声部的主旋律推荐练习曲
高声部：
《卡尔卡西练习曲第三号》、《月光》、《索尔练习曲第三号》、《泪》、《绿袖子》、《罗曼斯》、《欢乐颂》
低声部：《卡尔卡西练习曲第13号》、《魏拉罗伯斯前奏曲第一号》、《小罗曼斯、《悲伤的礼拜堂》等等。
4.1 持 琴
正确的持琴姿势至关重要，它可以保证演奏者最合理地利用身体所需用的关节、肌肉的运动而不至于很快产生疲劳。
必需一把高度合适的椅子和一个吉他专用脚凳。椅子不能有扶手，高度以双脚落地后大腿与地面平行为准。脚凳高度约15厘米左右，一般高度可调。
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:56:00 8# 为了演奏的方便，应该坐在椅子的前部。左脚向前踩在脚凳上，右脚稍往后收一些，并略向右放。将吉他的下凹部放在左大腿上面，右大腿内侧紧靠吉他的底部，琴身稍倒向人体，上部与人胸部接触，右前臂放在吉他琴桥延长线略后位置，琴颈倾斜向上，琴头略高于肩。
此时检查一下身体各部分是否完全放松。左手自然抬起准备按弦（后面将专门讲解左手技巧）。左右手与吉他的接触完全是为了演奏的需要，不能用来协助琴身的稳定，否则将影响演奏灵活性。
4.2 左手基本动作
手指的运动关节共有3个：从指尖到指根依次称为第1、2、3关节。
左手按弦各指的记号如下：
食 指……………1
中 指……………2
无名指……………3
小 指……………4
左手拇指不用来按弦，应该伸直放在琴颈背部中线位置并与中指位置对准。左手手臂应自然下垂。
左手各指按弦时，各关节自然弯曲，第一指节与指板面尽可能垂直，这样即省力、按弦又准确。按弦位置应靠近品丝（离品丝太远，会因按弦不实而产生杂音，若按在品丝上，声音发闷也会有杂音）。左手各指按弦应用指尖的肉触弦，指甲会妨碍按弦，因此左手指甲尽量剪短。在演奏的过程中，除了大拇指指肚和按弦手指的指尖外，左手的任何部位不能与琴体接触。
左手的运指是需要特别强调的。
吉他指板大致可分为四各区域，以左手第一指（食指）所按的品格数作为把位的数序。（1）原把位，即第一把位。食指按第一格，以1、2、3、4指序4指可以按到第四格。（2）上把位，即第二到第九把位。以一指按第九格称作第九把位，4指可以按到第12格。（3）高把位，即第十到第十二把位。（4）超高把位，即十三把位以上。
在吉他的演奏中，有时左手需要做每一个手指负责按一个品格的动作，这时要求左手的柔韧性、扩张程度很好。有时左手需要做几个手指按在一个品格上的动作，这时左手手腕和手臂间的角度加大、手腕和拇指稍向琴头方向转动。
左手在指板上的移动动作可以分为两类：横向移动和纵向移动。
横向移动：手指不换把位，只是在?弦到?弦之间移动。此时以手臂带动手腕活动为主（手臂和手腕间的角度是变化的），手指保持于琴弦（平面）垂直的方向起落。
纵向移动：即换把移动。在分析换把移动之前，必需充分理解“移指”和“跳指”这两个不同概念。
移指动作指的是在运指过程中手指交替而不是同时离弦，
跳指动作指的是在运指过程中手指出现全部离弦，将要按弦的手指越过按前一个音符的手指。
换把位动作是弦乐器最重要的基本功之一，换把动作的优劣直接影响到演奏的连贯性。换把的原则是：能用移指动作完成的换把就不要用跳指；必需用跳指动作完成的换把，也要在跳指前用移指动作来作为准备动作，预先向正在按音的手指靠近，进而超越正在按音的手指。
左手常犯的错误有：运指时只有跳指动作而没有移指动作；做跳指动作时，手指不离弦而在弦上滑过，产生杂音。
4.3 右手基本动作
右手各指的符号如下：
拇 指…………p(pulgar)
食 指…………i(indice)
中 指…………m(medio)
无名指…………a(anular)
小 指…………ch(chico)
右手在吉他演奏中至关重要，技巧较复杂，需引起重视。
4.3.1右手指甲的修剪
历史上曾有指头派（代表人物为索尔，不留指甲，以指尖的肉来拨弦）和指甲派（代表人物为阿瓜多，纯粹用指甲来拨弦）。两种拨弦方式各有优缺点。经过几代演奏家的研究，目前认为以塞戈维亚为代表的现代派的拨弦方式最为科学。这种方法是先用指甲和指尖同时触弦，再用指甲拨弦。这种方法兼有指头派与指甲派的优点，而且音色的变化丰富。指甲的形状（请参考教师的指甲）和长度根据个人的情况不会完全相同。指甲必须用细砂纸（建议用2000号以上）打磨光滑，以保证拨弦音色。指甲露出指肚的长度基本为0.5-3 mm。指甲的基本形状与触弦点见图示。
4.3.2右手的基本姿势
右手前臂轻放在琴体合适的位置，手腕自然放松保持凸起。拇指外侧放在第?弦上，i、m、a指分别放在第?、?、?弦上。稍稍调整一下各指的触弦角度，使各指做到指甲和指肉同时触弦。右手拨弦位置一般在音孔中心靠后的位置。在以后的演奏中必需一直保持这种姿势，切记！
4.3.3右手的拨弦要领
吉他演奏一般有两种拨弦方式。靠弦奏法(apoyando)：拨弦后瞬间，手指靠在下根弦上；不靠弦奏法(al aire)：拨弦后，手指不接触下根弦。
一般来说，靠弦奏法的音色比较浑厚，力度大了。不靠弦奏法音色柔美清晰，力度小，速度快。现在倾向于使用不靠弦奏法奏出靠弦音色，因此i、m、a各指用特殊的不靠弦奏法，仅仅p指使用靠弦奏法。重点训练i、m、a各指的发力、拨弦方法，触弦方式，使其发出浑厚的音色（后面将有专门的练习）。
右手i、m、a各指在拨弦过程中必需保持手指呈柔和的弯曲状（1、2、3关节均有一定的弯曲），拨弦时的主要运动关节为第3关节（有的教材称作第3关节发力）。P指应注意第2关节不可凹陷从而导致紧张。
拨弦过程实际上分为三个阶段：触弦、绷弦和放弦。
(1)触弦阶段：首先在保持右手基本姿势的前提下，为手指、手掌、手臂选择一个合适的角度和位置，以保证i、m、a三指能以指甲、指肉同时触弦，同时也使大拇指与弦保持较大的角度（不小于30度）。为做到指甲、指肉同时触弦，i、m、a三指放在第?、?、?弦上和琴弦构成的角度显然应该小于90度，而不是以前的观点：垂直于琴弦。从右手手背方向看，各指触弦点均不在指尖正中，而是有不同程度的偏向左侧。
(2)绷弦阶段：这是右手拨弦过程中最关键的动作。在完成触弦动作后，将弦沿垂直于面板的方向绷紧（可理解为压弦，此时的手指一定要按要求做到弧形形状，以第3关节运动为主，第1关节形状保持不要凹陷）。这一绷弦过程需要长期的练习，做到肌肉记忆。
(3)放弦阶段：放弦犹如拉满弓后的放箭。放弦的动作要干脆、果断，离弦的瞬间，手指的运动方向一定要和琴弦垂直，以免因指甲摩擦琴弦而产生杂音（特别是在弹奏?、…、?弦时）。
(4) 移指练习（具体要求见后面第六章中“移指练习”）
6.1 基本练习顺序
6.1.1移指练习
属于左手手形联系，每日必须练习。乐谱见第五章中“3 音阶练习”第（4）条。该谱是?弦上的移指练习谱，左手是1、2、3、4指循环按在吉他的第1、2、3、4品、第2、3、4、5品……直到4指按在第12品再返回。熟练后应该移指做到琴弦的最后一品位置。其他各弦上的练习都要做，谱见第四章（4）移指练习。
练习要求：1. 速度为每分钟60个音或更慢
2. 左手大拇指伸直并与中指严格对准
3.保持正确的手形，包括：手指第一指节尽量垂直按弦、垂直起落，每一关节保持弯曲弧度（尤其第三关节不可凹陷），1、2、3、4指第三关节的连线要和琴弦平行等。
4. 关键问题是放松。任一指按弦时其他指必须放松，按弦手指完成动作后立即放松，手腕、手臂随时放松。练习的慢速是体会放松的前提。
5. 移指过程。1指按弦，2指按弦后1指停在原处并立即放松，3指按弦后1指、2指停在原处并立即放松，4指按弦的同时1、2、3指与
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:59:00 9# 其 他
1.音色的好坏
基本上在于选择指肉或是指甲触弦。
指肉触弦的音色厚实圆滑但比较模糊不清，指甲触弦则单薄尖锐但比较精楚可辨。多数人喜欢的是David Russell那种厚实的声音，那么在选择触弦时就要以指肉为主指甲为辅，在过弦时是先过指肉再过指甲。
2.音色的厚实程度
要点是“触弦面积“
[ point 1 ] 触弦点，角度及面积：
手指入弦的位置(触弦时手指第一个碰到弦的地方)是用手指的左侧或右侧或中间的指肉，每种入弦声音都不尽相同。手指触弦的角度，越平行弦声音越厚，越垂直弦声音越薄。
其实最根本就是手指入弦至离弦的所经过指肉的面积，触弦的过程中所经过的面积越大声音越厚，所以触弦点和触弦角度的影响音色的原因即在于此。
[ point 2 ] 速度及力量：
触弦时下压弦的深度，也就是手指将弦往斜下压入.弦震荡时前视图看到的轨迹画出的截面积越大声音越厚，所以最适合的震动是弦在打圆而不是左右晃动。
另外手腕的角度(手掌与手臂的夹角)，角度越大声音越厚，角度大时(例如180度)，手指在做出勾弦动作时，指尖的自然动作就能用一种比较类似由上而下的压入弦的动作，而角度小时(例如90度)，指尖的自然动作反而只能做由下而上拉弦的动作。
所以，过弦速度快，面积自然比较小，声音自然就变成较薄，反之亦同。加大力量，弦被压入较深，音量自然比较大，音色自然比较厚，反之亦同。
视奏
愤怒的蚂蚁：每日的音阶视奏，和弦（音程）视奏，分解和弦视奏加循序渐进的调性，加练习曲便可满足视奏的基本要求。没什么难的，关键是坚持。
在练习的时候，注意不要死记硬背，要看着谱子演奏，什么时候自然记忆下来为止。当然在看哪怕是简单的谱子的时候也要注意指法，节奏，力度术语等标记。久而久之视奏便不在话下了。
walksound：提高视奏水平，从根本上讲要解决三方面问题：
1、节奏的准确性；2、音准；3、在具体乐器上的演奏
以上三点缺一不可
一、节奏的准确性的练习
最直接的办法是想办法读各种节奏型，使之准确。按说，这是学习音乐的初期必须过的一道关。但是老师并没有侧重，或许他自己都不知道节奏训练有多重要。
补救的办法：最好找一本打击乐的教材（最好是爵士鼓的），通读上面各种节奏型，如果能够按照节奏很顺利很准确地读出来，节奏问题基本就解决了。为什么要读爵士鼓的谱子呢？因为该乐器对非打击乐这类音高乐器而言，基本不存在音高变化的问题---以免音高问题干扰了了节奏训练。并且爵士鼓的节奏型特别丰富，如果你能读懂读好爵士鼓的节奏，吉他、钢琴、小提琴等等乐器的节奏问题就是再小儿科不过了。
二、音准的练习
音准，如果讲得比较绝对的话，基本不能用钢琴以外的乐器训练。因为管乐、弦乐、弹拨乐的音准受本身物理特性的影响很大。比如吉他，受拉力、温度、琴的做工等影响，弦容易松，音容易跑；把位也可能先天不准。所以音准训练的最好办法是用钢琴辅助。同时，钢琴也能演奏最复杂的和声，有益建立和声概念和音效
训练的时候不能简单地听记，一定要唱出来。从音阶开始到曲目，持之以恒，不管多么复杂的音高和节奏，一定要唱出来。即使常得不准，也要在脑子里培养具体的音高和和声音准、音效的概念。久而久之，脑子里会有个固定的音高、音效的概念。当然，也不排除有些人先天不足五音不全（据说是听觉器官有问题），永远也搞不清楚音高之间的区别，脑子里永远也没有几个音同时发出的效果。
三、具体乐器上的演奏
一定要有一把音准的吉他。这是起码的条件。
在以上两点的基础之上，一定要坚持看谱子弹琴，绝对不能硬记。只要弹熟了自然而然就记住了。
同时，要多看不同的谱子，即使不想弹熟也要坚持多看多弹，节奏、音符要弹准。
再有，尽量能多参加合奏。不一定要排练出什么好的效果，主要是培养节奏意识，还有就是培养快速读谱试奏能力
[ point 3 ] 指甲：
指甲当然会影响到音色，但基本上除非你的指甲相当厚，否则纯粹只是在触弦完成时顺势划过去的被动角色，厚实音色主要还是来自指肉。修指甲时只需要去掉绫角，不会卡到，触弦顺畅即可。
探讨指甲所造成音色的影响，原理也是经过指甲的面积大小；于出弦的那一点的指甲如果修成划过弦时和弦形成一种锐角，声音就会尖锐，形成钝角，声音就会混浊。指甲形状修成可让弦经过较多或较少的指甲，声音亦有浊锐。比较好的选择是修成适当的声音明亮度，不过份尖锐或混浊。
浅谈音乐表现：
很多人.很多老师都会说学生要培养一个好的音乐性
我们也常以音乐性来评论一个人演奏的好坏
但音乐性的进步绝对是一个漫长的过程
一步登天的事也许有.但就像乐透一样可遇不可求
下面是我们可以多去注意的几个地方
1.拍子的正确
首先最直重要的.在注意节奏的问题之前
先练习让每一个音符都到达它的长度.也包括了静止的音符
2.节奏的正确
节奏和拍子是不一样的
很多地方性.民族性的音乐有它特别的节奏在
可能是重音的位置不同.可能是拍子上微妙的增减
而这个就和每个人的音乐素养有关
平常是否有研究各时代.各地区不同的音乐
就会影响到节奏的正确性
也是我们常说的“味道“对或不对
3.音乐的起伏
音乐的表现不在于虚幻的甜美音色
而是相对上.音量的变化.音色的变化
这才是构成音乐听起来有起有落的要件
4.每个分部的进行
每个分部都有它不同的进行方向
以及整个和弦听起来的和协程度
巴哈的音乐是最能表现这种分部的重要性
好的演奏者能让它听起来有好几条旋律进行
5.常听自己的录音
听录音会知道自己的想法和实际演奏上的落差
因为演奏者和听众是在完全不同的位置上
演奏者很辛苦在制造音乐
但听众是舒舒服服坐在台下.甚至翘着二郎腿
所以立场上的不同.让两方的感觉很容易有偏差
这时候就要常听自己的录音来祢补
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 19:04:00 10# 关于练习吉他的一些建议
无数次地，漫不经心地使用同样的错误的方式反复同样的一串音符，这样做的结果不仅不能使你的演奏得到改进，既浪费了时间，而且往往使我们的坏习惯加深。当我们学习一首音乐作品时，只要能够没有技术障碍地表达音乐就够了，用不着多练，多练的目的无非是为了消除舞台恐惧，而科学的练习方法却能帮助我们缩短这段练琴时间，并使之更具合理性，趣味性。只有通过正确的练习才能使你获得完美的技巧。
一 始终要准确地知道自己需要练习些什么以及练习它们的原因
如果练了几个小时的琴却毫无进展，这实在令人烦恼，因此我们就必须清楚自己面临的困难以及造成困难的原因，并找出克服困难的正确方法。
为了有效地进行练习，就需要懂得吉他演奏的基本原则，并能以不同的方式运用这些原则，以找出最适合自己的练习方法。（如点指，就有外拨和内勾两种不同方式，其实都正确，你不必要去强迫自己像某个大师般的一样。关键看哪一种演奏方式更适合自己。）
练琴之前花三分钟的时间思考一下，比三个小时无目的反复练习有价值的多，因为后者只会使你的坏习惯加深。
二 要根据自己的具体情况安排好练琴时间
应当事先把练习各种不同内容的时间分配好，要有当天的，本月的甚至更长的练习计划。 练习范围大致如下：
1 学习新的内容（新的曲目和技术）
2 练习某种具体的技巧（例如揉弦或制音）
3 保持和巩固已掌握的演奏曲目和技术
4 准备音乐会，比赛或考试的曲目
5 以新的音乐处理方式复习旧的曲目（clapton 就是一个很好的例子）
这五方面通常有一个是主要的，同时我们还要学会客观的评价自己的演奏。
三 只有多次重复正确的东西，而不是重复错误的坏习惯，才能做到熟能生巧
有时我们反复练习一个乐句，最后终于大功告成，这时我们会感到：“啊！总算学会了”。然而必须清醒地认识到，到此为止，我们已用不正确的方式演奏了许多遍，而用正确的方式只演奏了一遍，所以不正确的方式就非常容易再现出来。因此还必须继续使用正确的方式反复练习，直到把它变成下意识的习惯动作，并把所有不正确的痕迹去掉为止。
四 即要慢练 也要快练
演奏一个乐句所必须使用的速度，也就是演奏动作的速度，是演奏技巧的必要组成部分。
慢练可以使头脑向肌肉发出正确的演奏命令，并检查肌肉的反应和动作结果是否正确。通过慢练巩固了这些乐句中所包含的右手演奏的方法及左手的指法后还必须按原速再进行练习，以便学会正确的生理动作，并使头脑能用正确的速度发布命令。
将快的乐句练得比要求的速度再快一点（慢的乐句可以练的更慢），也是一个好办法，以便为正式演出提供附加的安全系数。
五 不要只练左手，对右手的发音也要给以同样的注意
由于左手负责声音的高低和旋律，所以它的作用非常的明显，也是立即可以被我们所察觉的，所以大多数的吉他爱好者大约花了百分之九十的时间用在练习左手上。然而吉他音乐的关键就在于此，它的风格，特点，不同层次的力度变化，起奏，重音，发音点，声音的色彩感，拨弦的角度，清晰感，穿透力的大小，总的音质，最重要就是右手的表现能力，不管是指弹还是PICK。恰恰是优秀的右手技巧（尽管不明显）帮助演奏者取得了特殊的，令人难以忘怀的效果。
六 把困难分开来，一个一个的解决
每一段乐曲都是由许多独立的，有特色的部分组成，每一部分都有各自的难点。想同时把所有困难解决掉，是不会有成效的。这样做只会使缺点更加巩固。
最好将困难抽出来，集中力量加以解决，分别把每部分练好后，再重新组合起来，按照乐谱进行练习。这种方法比较有成效，并节约时间。
七 把困难乐段的前后连在一起练习
这是对前一条的补充
当我们能够单独地掌握困难乐段后，我们还必须能够把它和前后的乐段连在一起练习和演奏。
要学会去感觉每个音符在指板上的独立的物理位置。
八 要练习演奏，不能只是练习
练琴虽然很愉快，但它毕竟不是目的，而是一种手段，目的是通过练习，使我们能以完善的技巧，充满表情和令人激动地进行演奏。当你站在舞台上演奏时，你的内心和外部环境，都与你平时练琴有着很大的不同。
所以，我们必须想办法给自己创造一些这样的演奏条件，经常在不习惯的环境中进行练习是有益的。但如果可能最好还是舞台上，熟悉了这些技术方面和心理方面的要求，可以形成一个稳定和可靠的技术基础，而这个技术基础也是充分表达音乐的不可缺少的前提。
九 也要不用乐器进行练琴
这种练琴方式不仅对演奏的技术方面有所帮助，而且特别是对增强乐谱记忆力很有好处。在头脑中设想演奏，就强迫你必须彻底地知道每一个音符。
如果你能在头脑中按照乐曲的原速，并且没有任何停顿地演奏一首乐曲，那可以说你已经完全记住了。否则，某些薄弱环节就可能在你实际演奏的关键时刻不可避免的出现。
十 不要忽视“容易”的部分，这些部分在你演出的时候往往会给你带来麻烦
大多数的音乐作品中，都包含有许多一看就知道不存在困难的句子，因此我们往往在练习时就完全忽视了对这些乐句的练习。但如果这些容易的部分不给予一定注意，它们就会在你心中形成一些空白，而这些空白在你演出时可能会变得好像你从没见过它们那样生疏。
这些不熟悉的地方在演出的时候可能会造成暂时的停顿。结果因为这些停顿的关系，你的演奏告以失败。心理上的这种暂时的犹豫可以在任何时候发生，但是，它往往发生在乐曲的开头和结尾。
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 19:05:00 11# 学习古典吉他应该重视的一些问题
许多朋友在学习吉他的时候把更大的精力放到机械式的技巧中，认为只要有速度就可以弹好吉他了，实际上重视机械的技巧的的训练的确是非常的重要，但在练习机械技巧的同时更应注意以下的问题，它不仅仅对机械的技巧具有指导意义，也是将来能否弹好吉他的关键。
重视听觉的训练。
这里说的听觉训练不是指的听音辩高和音准等问题，而是去听和辨别音的音质，音量，延续，消失，以及音与音之间的衔接等关系，仔细的去听出它们的区别，层次和细微的变化，这样的训练不仅要在平时的技巧训练中体现，更应该在听曲子的时候加以体会和学习，这种听觉越灵敏，那么将来的演奏表现力也就越强。
音色
音色是乐器的生命，是赋予演奏以光泽，魅力的至关重要的因素之一。在学习阶段注意追求美好的音色，但这样的美好的音色却不是单一的，它应该是多变的，由于吉他这件乐器的触弦位置，以及角度和拨弦方式的不同，都会得到不同的音色，这无疑对表现音乐提供的广阔的空间，但需要说明是，无论奏出的音或强，或弱，或明，或暗，都应该是圆润，饱满，和有穿透力的，这时的拨弦方法是由为重要的，同一把吉他同样的速度，也可以弹出完全不同性质的音色，其实这也是区分演奏水平的标志之一。所以在吉他学习阶段重视对拨弦方式的研究以获得优美，理想的音色，也是重要的事情之一。而慢速的练习则是有住于更好的检查每个音质的必要的手段。
音的连接
由于吉他本身的特点，从左手的按弦到右手的拨弦以及换把都使得这件乐器在音的连接方面要比其他的乐器要困难一些，在熟悉左右手的基本演奏法后，这个问题就必须予以重视了。当然必须通过足够的机械反复的训练加以克服，但值得一提的是首先要在演奏者的脑海中要有正确的音的连接的意识，然后要非常注意听觉上的效果。
当然还有很多需要注意的问题，比如旋律感，演奏的风格感等等问题，就象我们在弹奏一首圆舞曲的时候，第一拍要弹的重一些，如果重音跑到二或三拍上那就不是圆舞曲了，诸如此类的问题，初看起来觉得“很麻烦”其实只要你在一开始的时候加以足够的重视，那么经过一段时间就会养成一种良好的习惯，这样的习惯无意会给你的吉他演奏和表现带来莫大的好处。
任何练习都必需有明确的目标，连续的计划安排，和一定的时间，精力。这一阶段的目标，技术上要达到初级，能演奏爱的罗漫丝，而演奏爱的罗漫丝则是为了培养自己的演奏兴趣和一定的音乐感受力；培养这个，则既是为今后的进步打基础，又是为了丰富，扩大自己的精神世界。
为了制定相应的练习计划------当然首先自己得有琴，较音器，吉他音带，参考书，没有脚凳用板砖也可以-----要测试自己的手指条件，耐心程度，持琴等等，这些内容包括物品的选购最好是让老手帮忙指导一下。
在此必须提出，初接触吉他时测试自己条件其实是很重要的，很多人忽视这一点，结果没能因人因才施教或就学导致练习的效果不佳，甚至没有效果，这是很遗憾的。
说的再明白点，有的人可能反应快右半脑发达，那么他就没必要做太多的左右手协调练习；有的人手指指力太弱，那么就应当加强大横按，抬指落指练习等。。。。初学者不可避免地要做一些枯燥性练习，虽然针对性很强效果也颇显著，但这会挫伤学琴兴趣，尤其是自己练习。我倾向于练习尽量通过练习曲完成，枯燥性练习越少越好。所以针对个人条件有选择地做，就很重要了。
另外做枯燥练习一定要保证一定的时间，而且一定认真查验自己的练习效果；最好有同伴或指导者监看。以下是不得不练习的：
1）持琴姿势
2）一把，五把位的左手1，2，3，4指抬指落指练习
3）6跟弦上右手的轮指练习：P I，PM，PA，IM，IA，MI，MA，AI，AM都要练到。
4）左右手协调练习，12品以上换把练习
以上可以有选择的，针对性地做，先做1，2练习；3要多做，4等1，2，3练完了之后开始。 预计将要花2周的时间，每天2~3次，一次30分钟以内。
如果你练到第4条练习了，很好你已经完成1/2的计划了，一个难点被攻克了。接下来是音阶和调式单音练习了。
这一阶段的重点在于乐理，当你练完1，2条练习时，技巧上几乎没有任何难度。唯一是要把C大调的唱名，和各音阶的音名记住。练完几个调之后，可以弹一些简单的单音练习了。
那么现在同时可以练习3，4条练习了，同时1，2条练习再重做。和上次不同的是要跟节拍器练，这是为下一部分解和弦做准备。在技法熟练的基础上达到节奏稳定和右手音量上的提高。
经过大约一周持之已恒的练习，现在已经没什么难度阻碍和弦的练习了。这是本阶段最后一个难点，通过和弦，直接练习了左手横向，纵向的扩张；需要注意的是要：
1）严格按照节拍来，2）右手拇指和其他三指的声部分开，3）大横按要有毅力
到目前为止，已经可以练习一些简单的独奏曲，如《红河谷》《很久很久以前》还有卡尔卡西的曲子等；还可以和同伴或指导合奏一些简单的小曲子如《幕尼黑波尔卡》等。
这样练了大约6，7首曲子之后，终于可以练习爱的罗漫丝了~~这样就算步入了吉他初级。整个过程最多在2个月之内。
写 给 学 习 吉 他 的 人
当你决定拥有一把古典吉他时，你陶醉于自己的这个选择。可见，你对吉他能给予你什么以及你将从中获得什么是心中有数的，多少你也会意识到自己是在亲近一门艺术，但你有没有想过，古典吉他作为一门艺术，究竟意味着什么？事实上，只有在你很好的回答了这个问题之后你才可以真正学习古典吉他，才能一步步登堂入室，才能承受的了他对你的审美判断力、意志品质和精神世界的全面考验。毕竟，吉他不不是玩具，不是家俱，不是手工艺品，不是你获取爱情的道具……它是一件乐器。许多学习古典吉他的同学在经过一段时间的基础练习之后逐步失却了最初的热情，于是把自己的吉他作为壁饰悬挂起来，或者转学其认为更有趣，有容易一些民谣吉他。也有的同学尽管坚持了下来，却把演奏，完全简化为一种双手的劳动，令自己和听众都感到辛苦；或者反过来，迷恋上了某种情调，不断的反复衍义以至裹足不前；再或沦为技巧的奴隶，演奏任何乐曲都象炫技的厨师一样慷慨的一次性的加进自己所有的“作料”——“技巧的作料”。严格说来不管是前者，还是后者，他们都没有触及古典吉他艺术分毫，因此他们在艺术上的尝试都落了空。也许后者的失败尤为惨烈，推究原因主要就是他们对艺术、对古典吉他的理解不够清晰准确，很多常识性但又是错误的观念占据了他们，也断送了他们在艺术中本应达到的进境。他们认为弹吉他无非是众多消遣活动中的一种，就像旅游、看电影一样，并准备以轻松的心情和消遣的姿态来面对它，一旦发现事实并非那样简单后，就怪自己缺乏艺术天赋，从此对古典吉他敬而远之。其实，艺术根本就不是娱乐消遣，它是一种情感的教育，是为了获得真正的自由而对我们精神施与的一次洗礼。 在艺术面前，我们要谦卑的收起我们以往的态度，准备接受他要提供给我们的一种新的态度。寻求娱乐却是使我们与真正的艺术格格不入的一种态度。米开朗基罗建造了圣彼得教堂，但丁弥尔顿和写下了宏伟的诗篇，巴赫创作了B小调弥散曲
为什么要做音阶练习？
1.大多数音阶，左右手8个手指都用的上，练习音阶可以训练手指平衡能力。
2.音阶练习可以熟悉指板音位，全部音阶由24个大小调式组成，而我们接触最多的
欧洲音乐，几乎全部属于这些调式，熟悉了音阶，也就大体上熟悉了这些调式。
3.实际上音乐就是由完全或不完全的音阶组成的，尤其是旋律声部。
4.音阶看似简单，其实严格要求均匀、快速、颗粒感的话，是很难作好的。
5.在音阶练习中加入不同的节奏、重音、并力度，并使用所有能够想象的到的右指
组合，（我要求学生使用im、ia、ma、pi、pm、pa、ich、mch、ach、ami、ima、mia、mai?
ima、pami等等凡能够想的到的组合来练习，有的组合可能缺乏实用性，比如ch指加入的组合
，但对训练右指作用极大）会发现音阶练习真的很博大。
6.音阶练习对左右手协调能力训练作用极大。
我个人的感觉，经过训练 ch 指后，a 指难以控制自如的难题似乎迎刃而解。其实练习
手指无非是练习大脑对手指的控制能力，手指、耳朵接受并反馈信息，经神经传输，大脑分析
判断、发出指令，神经再传输回去。控制能力的训练是全面的，我以为不应当因为 ch 指用的
少就不练习。
音阶练习常见的缺点：
1.做不连贯，象弹顿音。
2.颗粒感差，含混不清。
3.音色、力度不匀、缺乏统一性。
4.右指各指没有独立的拨弦动作，有时是一个手指带出了另一个手指。
5.左手指移动时多余动作过多。
6.只强调速度，忽视声音质量。
7.在四五六弦左指不能作到直起直落，杂音太多。
8. 缺乏音乐性，表情干巴麻木。
音阶练习的基本要领：
1.手指垂直起落，抬起时的高度不可过高，以一厘米左右为宜。
2.为了连贯，下一指按实前，前一指不能抬起。
3.左手始终保持恰当的弧度，不能因为换弦而动作走形。
4.左指尽量垂直与指板，以指尖按弦，
5.发力以按实琴弦为准，不能太大。左指动作要连贯、柔和、自然。
6.速度不能求快，应以能够清晰、连贯、均匀地演奏为准，逐步提高。
7.高把位注意声音控制，不能“虚”，右指适当加力。
8.最低音和最高音最好强调一下。
9.右手各指一定要独立完成每个拨弦动作，不能“顺势”带过去，注意想邻的音音色要统一
，力度也要统一。
10.最好加上不同的节拍、力度练习。
和弦的同时演奏
吉他上常用到的和弦齐奏有两个、三个、四个、五个到六个不等，其中最基本的形式是
四个音的和弦齐奏。四个音的和弦正好用到了右手每一个拨弦手指。两个音的同时演奏只能奏
出和弦的部份组成音，很多时候是用来演奏和声音程，即一同发声的两个音，或称双音，弹双
音时只用pima四个手指中的两个就行。五个音或六个音和弦齐奏时则必需用其中的一个手指快
速拨弹两三个音，最常见的是p指或a指扫弹，有的演奏家甚至会用到很少使用的右手小指。
整齐和响亮是和弦齐奏应达到基本要求，为达到这两个要求：①左手在演奏和弦时ima指
应尽量并拢，以一个整体用力来拨弦，这样弹出的和弦才能整齐，在时间上一致，在音量上统
一。如果右手手指互相分开弹奏和弦，就会出现和弦松散、不整齐、音量大小不一致的现象；
②和弦齐奏在技术上实际上是多个不靠弦的同时演奏，在弹和弦时右手p指和ima指应一起用力
把弦捏起来，并作出一个向下的绷弦动作，然后再弹响和弦，这样才能使和弦响亮，有时和弦
中隐藏着旋律进行时，还需要弹旋律的手指多用力向下绷一些。如果右手弹和弦时没有绷弦或
捏弦动作，并且发音时手指向上勾弦，那么弹出和弦肯定会声音单薄微弱，音色粗糙难听。
消音的技术
在音乐演奏中有两类声音需要消除，一类是杂音，如左右手在接触弦和在琴弦上移动时
蹭弦（尤其是低音弦）的声音，左手按弦位置不正确或右手错误钩弦产生的打品声音，左手音
没有按实产生的杂音，左右手碰到正在振动的琴弦发出的嗡嗡声，不必要的滑音，其他还有如
脚打拍子的声音（练习时除外），粗重的呼吸声，还有乐器不合格产生的种种杂音，这一类杂
音应在基本技术的学习中和练习的过程中得到有意识的避免和解决。第二类需要消除的音是演
奏中不必要的乐音，吉他演奏中的消音技术主要是指这一种，消音技术是吉他技术中最常被忽
略的技术之一。在音乐演奏中如何控制一个声音比发出一个声音更为重要，何时停止这个声音
是控制的重要部分，这正是消音技术应该解决的。
常见的需要消音的情况有如下几种：①休止符，休止符不能仅仅理解为不弹就行了，除
了在乐曲开头、段落开头和暗示节奏的休止符以外，大部分的休止符实际上都是要用消音技术
“演奏”出来的；②乐曲终止或段落、乐句终止时；③为加强旋律的分句和在音乐句逗、呼吸
时有潜在休止符的地方；③和弦低音变换时消除低音对和声清淅度和和协度的影响，这其中也
包括弹强音时低音空弦被激起的共鸣音。④断奏或需要以顿音加强节奏感的段落。
消音的方法千差万别原则上能使不需要的乐音停止发声的方法都可用作消音技术。总的
来说，消音技术从消音所用的手的部位不同可大致地分为两大类：第一类是用拨弦的右手手指
或按弦的左手手指来直接消音的直接消音法，如右手发音后以拨弦手指指尖肉垫按住琴弦消音
，或左手按弦手指果断放松，浮在琴弦上来消音。第二类是用正在按弦和拨弦的手指以外其他
部位来消音的间接消音法，常见的有：用右手手掌小指一侧或拇指根部按住琴弦消音；右手拇
指靠完弦后以指甲侧面的指肉触靠相邻的低音弦消音；左手手指伸直迅速按触琴弦来消音。
好的圆滑音、轮指，“既不是一种特殊技巧，也不需要专门训练”，而是左右手机能的全面
反映。一个人左手各指能弹好各种类型的圆滑音，就说明他左手一定有能力弹好音阶。右手能
弹好轮指，也就有能力弹好音阶与琶音。
圆滑音弹的好，首先是要求各指的独立平均，和良好的运指挥动能力。不能专门过多练圆滑
音，圆滑音是练习的结果而不是练习的方法。原因如下：试用无名指按弦，再用小指不断练弹
上波音----由于无名指一直按弦，其独立力量一直会增长，而小指相对地按压指力会逐渐弱化
，这样的结果，只能是越练越差：小指打压无力。在“343--”这样的圆滑音指法里，4指按下
的发音力度，国人往往偏小，而最后的4指拨出的音反而音量较大，4指能否按压出较强的音量
力度，在这一点上，大师与普通弹奏者高下立辨。
右手轮指也一样。这个原因较复杂，看完下面的原则性分析以后就会更明白。先大概说一下
：由于轮指是正轮指，只练从ami的顺序，而重要的是要能弹好反运指
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:45:00 2# ：ima，否则，只练正轮
指，轮指不但弹不好，且也会越弹越差：a指会越来越弱；且在别处无轮指时，a指一旦弹独立
的长音，而m就会习惯性地跟连，出现杂音或错误。
1、 半音阶的练习：这是最基本也是最重要的训练，它不仅可以练习右手，而且能够帮助拉
宽左手按弦的宽度。练习方法如下：以慢速（spead=60）练习，要求音色、音量一致，速度均
匀,逐渐提高速度，注意的是每天练完后，要把速度从你练的极限往回调整一点（比如你今天
从70的速度开始练，练到85就上不去了，那莫你把速度调到80再练，这样可以巩固你的速度不
会掉下来）。 2、 分解和弦的练习：练习方法同上。参考教材--《卡尔卡西古典吉他教程》
中的分解和弦练习。这是一个练习右手综合能力的方法，为练习曲和轮指打下基础。这里需要
注意的是每条练习的重拍要清楚，三连音弹得要均匀。《随想曲24号》最后一个乐章大部分指
法都是分解和弦的指法，四连音速度在200以上，所以大家不要忽视这条练习。
半音阶的几种练法
半音阶是非常重要的一种练习，但很多人不知道如何正确去练习，下面，我介绍几种练习方
法。
1、 初级练习：（1）以四连音为一组，速度从60开始到100;
(2) 以三连音为一组，速度从80到120。 以上练习要求速度稳定，以重
音和弱音分别练习。注意右手在弹弦时要两指轮流拨弦，因为练习中有空弦音，每根弦的拨弦
次数是不一样的。
2、轮换手指拨弦：右手的指序为p、i、m、a指，分为以下几组，
（1）i、m ；m、i ；（2）i、a ; a、i ; (3) m、a ；a 、m。
(4) a 、m、i ；i、m、a 。
3、做好以上练习后，可进行中级练习：
用前附点音符和后附点音符进行练习。速度从60开始，逐渐提高。
以上两种练习方法可同时进行，主要看练习者的练琴时间是否充足。
左手扩指练习
左手扩指有两种练习方法。
1、 在练习半音阶的时候，左手所有按过弦的手指保留在原来位置，力量用在打开指根部宽
度上，尽量慢一些，慢慢的打开它，以免手指韧带拉伤。注：每一根手指连着一根筋，其中，
二指和三指的筋是一根，所以在练习时，要着重练习二、三指的扩指。
2、 这种练习方法适合于有一定基础的朋友，左手指序为4、3、2、1，分别按住4、3、2、1
弦的12品、11品、10品和9品，练习时一指向下移动到8品，保持按弦位置的正确，不要出来杂
音，2指从10品移到9品，3指从11品移到10品，4从12品移到11品。右手拨弦顺序为4、3、2、
1、2、3弦（六连音节奏），每移动一根手指右手就要弹一遍节奏。当左手手指全部移到第八
把位，在按照上面的顺序往下移，一直到第一把位。注意：左手在移动过程中，手型尽量不要
歪，要正对琴颈。（三品以后手型可以倾斜一点）
当做完一弦到四弦的练习后，在二弦到五弦上面做，最后是三弦到六弦。这个练习要循序渐
进，最忌贪快，不要把上面介绍的三种方法在一天之内做完，这样会很容易使左手受伤，切记
。
补充：上面介绍的第二种方法中的第一种练习不需要一次做到一品，做到手感觉酸的时候就
停下来，下次从停的把位开始继续往下做。
练习之前，我们首先要明白练习目的，而基础训练的目的就是学会正确的右手弹奏法和左手
按弦法，最终最大限度的独立和控制我们的每一个用于弹琴的手指。
最理想的条件应该是有个合格的老师指点了。现代派的弹法中有的流派主张用非靠弦奏法弹
出靠弦奏法的音色。而作为初学者我想对此仅做了解就可以了，一开使右手一定要学会正确的
靠弦奏法，《卡而卡西古典吉他教程》中对靠弦奏法的解释是：弹完弦的手指停靠在临弦上。
而实际上一个完整的靠弦奏法过程应该是这样的：1，放松的触弦（触弦点应该是手指的左侧
指肉指甲同时触弦）2，压弦（绷弦）用指跟关节的力量把弦压到斜下方（指板方向）这时其
他手指不要紧张。用拉弓的例子比喻最恰当不过了，这是就好象拉满的弓一样。3 放弦。放弦
时第一关节（指尖关节）要放松，这时的动作决定了你弹的音色。一只拉满的弓，要是偏偏不
在拉满的时候放，一样达不到最远的射程，我们放弦的道理是一样的，要使弦充分的震动起来
。4，弹完弦的手指完全放松后在进行下一个动作（聆听你弹的音色）“完全放松”可以理解
成我们在一开使摆上右手时的那种放松的感觉。非靠弦奏法的拨弦方式是和靠弦奏法非常相似
的，只是弹完弦的手指不碰触临弦。
左手按弦时不要碰触到临弦（竖起来按弦），需要注意的是在一个把位上左手的拇指固定在
琴颈背后的中央与2指相对的地方就不要动了，左手按弦的手指应略向左倾斜，也就是左手按
弦的手指的指甲与品格之间不要成90度，要小于90度，这样的按弦是比较符合左手的生理特点
的，更有利于左手的扩张。按弦要到位，所谓的“到位”就是指按弦的手指接近品格而不按到
品格上。手指在按弦时各个关节自然弯曲，不要出现折指和萎缩的现象。
注意并认真做好以上要求，接下来就可以进行音阶练习了。在练习音阶时首先的要求是慢！
这个慢里实际上包括了以上所有的要求（我想这时你要是做到以上每一个要求，恐怕想快也快
不来的）那什么时候才能快呢？我的观点是在掌握熟悉了右手的正确的拨弦方式以后自然的提
高速度，当然最好是能快也慢练。接下来就是听！听你弹的音色！如果你是用i .m
或m.a,或p,i的靠弦奏法去弹奏音阶，那么除了听音色以外还要听两指所弹的音的音量是否一
致。至于音阶要用渐强或渐弱的方法去练习是你在掌握了以上课题的基础上再做的。最后就是
看！也就是用你的眼睛去观察你的左右手，还要去看曲谱呢。对于初学者右手盲弹是十分不恰
当的，可以分三个阶段吧，一个是单独的右手练习，这时要完全用眼睛观察，及时的校正，第
二是半盲弹，也就是说一边注意左手，一边注意右手，。第三是完全的盲弹，这时眼睛只看谱
子和偶尔的看一下左手。在琶音的练习中其实注意的问题是很相似的，所不同的就是i ,m, a
三指用非靠弦奏法（相信你在掌握了靠弦奏法后，也会很容易的找到非靠弦放弦的方向）而不
是象《卡而卡西古典吉他教程》上说的“钩弦”“弹完弦的手指弯到掌心方向”这时注意听听
你的非靠弦的音色吧，可以试试看看怎样能获得用非靠弦奏法弹出靠弦奏法的音色。
其实这样的基础练习不仅仅实用于那些用功的初学者，对那些弹了很长时间的琴的，但从没
有进行过此种训练的的朋友，也是非常的适合的，每天坚持认真的做这样的练习是琴艺扎实，
正确进步的关键和必经之路。
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:46:00 3#
R - Raimundo M - 愤怒的蚂蚁
M：R兄怎么看待靠弦这个技术呢？
R：赫赫，这个其实是一个很老的话题了，不过也是一个充满争议的话题。以前大家对靠弦是
很重视的，把他和钩弦作为古典吉他的两种基本的拨弦方法来看待的。前一阶段突然有一种趋
势，就是一切都要不靠弦了，靠弦似乎成了过时的奏法，演奏水平的高低要看会不会用不靠弦
来发出靠弦的声音了。我想这很大程度上受了陈老师的学生们影响，他们用不靠弦弹出了漂亮
华丽的音色，因此就较少的应用靠弦动作了。时至今日，我们了解到了越来越多的拨弦理论，
像卡雷巴罗学派以钩弦作为基本动作，在此基础上加入固定点的概念得到了靠弦，这是一种追
求音色变化的方法，他们把靠弦作奏出饱满强壮音色的方法。而有的流派，则以靠弦为基础，
在靠弦中加入控制，得到不靠弦的动作，这样靠弦就成为了一种基本练习的方法，和偶尔用来
演奏强音的手段。从我的所学上看，我个人是比较倾向于第二种方法的。
M：呵呵，我也是倾向于你说的第二种方法。在实际的学习中也是按照第二种方法来的：）事
实上靠弦与不靠弦的手指运动方式是一样，关键的不同就在于放弦以后的手指不在停靠在临弦
上，也就是放弦后的手指是有“控制”的， 那么可以看出在一开始要首先掌握靠弦的正确的
运动方式，并得到理想的靠弦音色是很重要的，熟悉后只要训练手指放弦后的控制就可以达到
比较理想的音色。那么R兄是怎样理解靠弦这个动作的？
R：赫赫，原来蚂蚁兄也是这个流派：）想要理解靠弦这个动作，就要在特定的演奏技巧体系
中，正如上面我说的，在不同流派里对于靠弦的认识就是不一样的，因此，我想我们只能说，
在我们所掌握的演奏方法中对靠弦的认识是什么。这个声明也许是显得有些没有必要，但是这
个问题的争议实在是太大了，我想任何的谨小慎微都不为过的。那么好，在规定了谈论范围之
后，我可以说，在我的认识里，靠弦是一种基本的动作，这个动作在一定的程度上利用了手指
运动的惯性，因此可以说最基本的靠弦是一个没有完全控制的动作，不知蚂蚁兄怎么看？
M： 呵呵，我也完全赞同R兄的观点，那么我们就从“我们这一流派”来说一下靠弦这个动作
吧~在我的认识中靠弦的动作虽然是一个整体的瞬间的动作，但要细分起来，我觉得有以下几
个步骤还请R兄指正：1，放松的触弦（触弦点应该是手指的左侧指肉指甲同时触弦）2，压弦
（绷弦）用指跟关节的力量把弦压到斜下方（指板方向）这时其他手指不要紧张。用拉弓的例
子比喻最恰当不过了，这是就好象拉满的弓一样。3 放弦。放弦时第一关节（指尖关节）要放
松，这时的动作决定了你弹的音色。一只拉满的弓，要是偏偏不在拉满的时候放，一样达不到
最远的射程，我们放弦的道理是一样的，要使弦充分的震动起来。4，弹完弦的手指完全放松
后在进行下一个动作（聆听你弹的音色）“完全放松”是靠到临弦上以后才开始的，可以理解
成我们在一开使摆上右手时的那种放松的感觉，也就是说，放弦后到靠到临弦上的这一阶段手
指实际上受到一种发力后的惯性所摆布的。
R：赫赫，蚂蚁兄用的是一个经典的靠弦的比喻，分析得也很详细，我想我们这里讨论的靠弦
应该是一种较为初级的靠弦的动作，在这个动作中，控制的成分比较的少，仅在触弦、绷弦和
离弦三个阶段用到了一定的控制力，而离弦之后就依赖惯性了，我想这种方法由于其中的惯性
因素，很难在速度和控制上有所作为，不像是一个完整的演奏方法，而作为一种练习的方法似
乎更好，这样，练习者可以把精力全部集中到触、绷、离弦的控制上去。我认为的演奏上的靠
弦应该是一种控制了的靠弦，这个动作是不同于最基本的靠弦的，其最大的区别就在于离弦之
后并不是完全依赖惯性停靠到邻弦上的，而是演奏者有意识的去控制这个“靠上去”的动作，
因此，动作幅度和力度是可以完全控制的。也就是说，无论是触弦前，触弦，绷弦，离弦还是
离弦后都是在有意识的控制下完成的，因此可以称作控制了的靠弦。
M： 呵呵：）R兄所讲非常的明确，我也是这样认为的，就是实际上靠弦在实际的应用中应该
是“完全控制”的既“靠也可，不靠也可”就算是靠到弦上，也是“有控制的”实际上的与初
级阶段的靠弦练习最关键的区别就在于放弦以后的控制了：） 听过你不靠弦的音色，觉得真
的很好，几乎很难听出与靠弦的差别来，那么R兄是怎样的方法来训练这样的控制的呢？
R：这个其实也是从控制的靠弦过渡来的，其实就像蚂蚁兄在其他帖子里说的“任何的惯性的
手指运动都是错误”，我想控制的靠弦的训练主要的目的除了在曲子中应用之外，更多了就是
建立一种对拨弦的完全控制能力，也就是摆脱惯性的能力。到具体的办法上，我想这个差异也
很大，我谨说说我的方法，大家探讨一下，我认为在控制的靠弦这个动作里，有两个关节是很
重要的，一个是大关节，也就是我们说的发力点，这个关节的力量感很强，还有一个我个人认
为应该是指端关节，这个关节灵活性差，力量也差不过由于接近指端，导向性很好。因此，我
在做控制的靠弦的动作里，离弦之后，会加强对这个关节的控制，以它来引导手指的走向，最
后达到控制的靠弦。在这个过程中，其实对手的控制已经得到了很好的训练了，在做起不靠弦
，只不过是对离弦之后进一步控制，使之不靠到弦上而已，动作完完全全和控制的靠弦是一样
的，我得不靠弦的声音之所以和靠弦接近，也就是这个原因（赫赫，其实我个人喜欢把不靠弦
称为“完全控制的靠弦”）。
M：看了R兄说讲，我觉得也受到很大的启发，尤其是指端关节来控制放弦后的手指，我觉得
尤为重要呵呵：）这应该是在从靠弦到“完全控制的靠弦”的过程的一个训练的重点吧~
R：赫赫，这个也只是对我比较有效的一个方法，希望大家试试再看效果如果：）
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:48:00 4# 左右手
古典吉他学习的左手手指发力一些注意要点
左指一定要注意“动作节约”“力量节约”，否则会很累手的，尤其虎口。
左手指发力一定要仔细控制，实际上不需要象很多业余爱好者作的那样那么大的力气。
请时时分析：1、2、3、4指是否用力过多，每个手指，每个音符，每个组合指法都要仔细看一下。究竟有没有浪费掉的力气。养成习惯。很多人弹吉他时说左手虎口累的疼，原因可能不在乐曲本身的难度，而是演奏者本人使用了太多的额外的力气，作了太多的“无用功”。
我虽弹的不好，但可以连续不间断地演奏《教堂》《24号随想曲》《大独奏曲》《大序曲》《梦中的森林》《卡伐帝那》六首（约需40分钟）而不至于引起虎口和左指尖的疼痛。在此并不是要炫耀自己会弹这些曲子，而是我亲身实验过的。
演奏家们弹高难度乐曲时的驾轻就熟，一方面是他们手指耐力较强，更主要的是他们不会去用多余的力气。
左指就象四个小天鹅的舞蹈，力度要尽量作到“恰当”，一点都不能多用。
而且还要分析乐谱，有意识地找出空弦、休止、或单音处作为演奏过程中休息手指的“临时休息室” 这个问题相当重要。
对初级学生，这个问题必须时时强调，以免以后发展成那种僵硬的、过重的、不自然的手指运动方法。
可以这样讲，弹吉他其实左手并不太累。至少不想很多业余教师夸张的那样。
象《华丽》这样的练习曲如果练起来很费劲，建议先不要练，回过头去检查一下基本发力方法和动作吧。并且，《华丽》的本质并不是训练手指耐力，可以说，任何一首练习曲都不是为了训练耐力。
3.右手的放松
很多演奏吉他的人，只注意左手的放松，却忘记了右手也是一个需要放松的地方。放松的主要问题：手指(或手掌)张力的过份紧张，手指弹弦之后没有放松。一般而言，右手的手指在拨完弦之后要回到原本的位置，并不是刻意，而是出力完，手指会自然的回去原本位置的地方。
可以做个实验：将手拿起来自然的放松，然后任一手指可以用点力向掌心内弯曲，然后出力之后立刻放掉力气，会看见手指会很自然的回去原本的位置(或相当近似)，故拨弦亦同。
如果要得到比较好的音色，比较大的音量，势必要将弦在拨弦的时候将弦向下压入，或者使用止弦，这些动作容易使手指产生僵硬，更要注意触弦之后的放松，要缓慢练习到轻松自然的完成。
4.右手预备消音
吉他没有像钢琴一样的踏板装置，所以在一些和弦变换时，没办法像钢琴一样利用踏板来防止前一个和弦的音渗入下一个和弦(如果和声进行的目的不允许时)。那么右手的手指可以用来充当消音器的角色。
动作的顺序在于：
(1)和弦变换前将手指放在想要消音的弦上。依情况，一条或以上。
(2)左手手指离开弦，至下一个目标。
(3)左右手手指同时压弦及拨弦。如果有用来消音的手指不必拨弦，在拨弦同时仍可以置于弦上。
[ point ] 吉他是一种共鸣很强的乐器，我们弹出一个和弦，在消音同时，吉他会有和声的泛音残留，以及人类在声音突然中断时听觉会产生暂留，所以当右手预备消音的动作相当快的时候，它可以用来防止音与音的中断。当然不管在吉他或钢琴上，因为时间差的关系，跳跃前后的两个音不可能完全连接，但好的演奏者依然可以使乐器歌唱。
7. 右手跨弦
所谓跨弦，举个例，用i指弹第三弦，接着用m指弹第二弦，最后用i指弹第一弦，就会发现到最后的步骤有跨弦的情况产生。
依照正常人的生理，跨弦可能有以下几种方法：
1. 将手腕向离开面版的方向拉高，手指会自然伸张，可以自然的弹到其它弦。
2. 直接改变手腕的角度，由垂直弦至平行弦，可以自然的弹到其它位置的弦。手指触弦的角度也会随手腕角度的变化而变化。
3. 手指触弦的角度不变，手腕的角度改变，以手臂靠在吉他上的点为支点，利用手臂位置的拉高或降低的改变，可以自然的弹到其它弦。
4. 手指触弦的角度不变，手腕的角度不变，改变手臂上靠在吉他上的支点位置，来回滑动，可以自然的弹到其它弦。
5. 不在意手腕手臂，手指直接伸长缩短去弹要弹的弦。
在此只列举一般常见的情况，依个人习惯的不同亦有差异。
8. 右手的定位
因为吉他是两手并用的乐器，所以右手是左手一个重要的定位点，若是右手的触弦不稳定，左手也容易失去方向感。练习或演奏时可以在手指装上心眼，想象弦所在的位置，在弹出即将要被弹出的音之前，手指要尽可能靠近弦。又手指在触弦时，往往都会有一个反作用力，让手腕手臂震动，这是自然放松的现象，但不要让震动太过份表现出来，变成了摇晃。
关于左手放松之我见：
左手的放松像音乐性一样,是需要不断去练习的一件事.很多时候我们以为自己做的够好,事实上仍然应该继续去思考和改进.大师们能用“摸“的去弹吉他,只能说罗马不是一天可以造成的.
下面是可以注意的几点
1.镜子或者录像设备:
来看看是否有不自然的动作发生
2.利用“手腕“扩张:
扩张的关键.在于手腕用力或弯曲时会带动手指的聚合或张开
3.动作顺序:
首先是手臂到了位置.接着是手腕.最后才是手指
4.熟练程度:
不熟练的动作会带来精神及肌肉上的紧张.动作熟练了才会进一步放松
5.基本动作:
基本动作的价值在于帮助身体记得指板以及琴格的位置
6.手臂手腕的力量:
和弦的按法千百万种.重要的是了解什么情况该使用手腕的力量.什么情况该
使用手臂的力量
7.封闭:
练习控制手指对每条弦所施的力
8.不断练习:
不断尝试并归纳各种和弦的按法.思考如何放松
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:49:00 5# 右手拨弦方法： 1、首先是手姿：在手掌和手腕完全放松的情况下，抬到吉他音孔的斜下方，手腕保持一定的高度，（初学者可以把拇指放在六弦上，来固定手腕的高度）。其他手指轻放在一弦到三弦。 2、拨弦时用手指内侧斜压琴弦之后，迅速向掌心方向抬起，注意，用力的关节是手指第三关节（指根位置），掌面、手腕、及身体各部位要放松，哪个手指拨弦哪个手指用力。 拇指的运动方向有所不同，它是发力后垂直向下运动，发力方法和其他手指方法一样。
左手的正确姿势：
1 拇指作为左手按弦动作的支点，其位置不容忽视。我们可以用横向和纵向两个坐标来固定左手拇指的位置。
（1） 横向：拇指基本正对着二指的运行位置，也就是说，如果二指的位置在第二品，那末，拇指的位置也在第二品。当然也有例外，如果按弦的把位比较宽，拇指可在二指和三指之间。
（2） 纵向：位于琴颈的中部，不要超过四弦的位置，这主要是考虑到横按和弦按时的方便，古典吉他在这方面要求更严一些，有时，拇指会在二弦或一弦的位置，这样，使手指在按弦时不会受到任何限制。可在琴上自由行走。
2按弦时的角度及用力：
（1）按弦时，要求一到四指的第一关节垂直于琴弦（小指尽量垂直），手腕尽量放松，不要向后收；肘部自然打开。用第三关节发力。特别注意的是，其他不发力的手指要尽可能贴近琴弦，以保持其紧张性，为以后提高速度打下基础。
怎样一举解决您的手指的独立与平均性问题
首先解决柔韧性的问题。如果您的手指柔韧性难以解决，则说明您练琴已经太晚了。除拇指以外，每个手指的大关节，应当能在外力帮助下，能做到与手背垂直。这样的柔韧性是基本的。柔韧性不好，是演奏的一大障碍。许多小孩有很好的技巧，说明弹琴的阻力主要来自于手本身。试一下：用弹簧称把一个手指的指端套住并把这个伸直的手指拉到与手背垂直，看看弹簧秤的读数，读数越小，说明这个手指的柔韧性越好，弹琴时手指的自身阻力越小----练琴的年龄越小，柔韧性越容易保持。
有了基本的柔韧性，再练习相邻手指的独立平均。独立，就是相邻手指，有能力一个按压，而另一个抬起，反向运动，两组肌肉神经互不牵连，完全分开、独立。手指按压与快速抬起，用的是不同的肌肉，因为：肌肉的特性是能收缩和放松收缩。收缩给了骨节以拉力，却不能给推力。相邻手指的肌肉神经要独立，按压与快速抬起的肌肉要独立地发达。
要做到这一点，可以这样试练：
（一）左手中指按压：左手中指按压吉他的第六弦（也就是最粗的那根弦）的某一品，右手用拇指用力弹响，并一直保持发音，然后，左手的食指和无名指，再先后拨动一弦（最细的那根弦）。可弹成三拍子，第一拍是左手中指按压6弦、右手弹响的，这个音要保持延续三拍；第二拍是左手食指弯曲拨响的；第三拍是左手无名指拨响的。一定要慢练，就是要弹成慢三拍。然后，再在各把位练习。
这是练习中指按压时，其相邻的食指与无名指能够反向高抬。
注意：1、按压的手指，每个关节都要有一定的弯曲度，每一个关节即不要太伸直，也不要太弯曲，禁止同一个手指的一个关节很伸直而另一个关节很弯曲的不自然形状。不要求用指尖按压琴弦，而是用指肚与指尖之间均可。按压的手指，应与琴品平行。
2、左手拨弦的手指，要求指尖（指甲）要与琴的指板和琴弦都垂直----难度恰在这里----左手拨弦的手指大关节几乎负弯曲（即向手背方向弯曲），而左手相邻的按压手指的大关节是正弯曲（即向手心方向弯曲）---相邻的手指神经完全反向用力，促使神经分开。
（二）左手无名指按压：与上相同，只是把上面的中指换成无名指，而把食指换成中指、把无名指换成小指。要求也完全相同。
明显地，这个难度有所增加，许多人会觉得相邻手指的巨大牵连。开始初练时，左手的一个手指拨弦时，按压的手指可以稍稍用一点推力，以抵消牵扯。
（三）左手小指按压：与上道理相同，只是小指的相邻手指只有无名指一个，且一般小指较短，没必要按压第六弦，而须按压第五弦，然后无名指去拨动一弦。要求与上面的都相同。小指的中关节或小关节极不容易保持相应的弧度，要多加注意。
对于这样大的跨度，许多初练者觉得难度太大的话，可以先按压更接近一弦的弦，等练好后再逐渐远离一弦按压。
练琴时间：这个练习的争对性很强，效率很高，可以大大缩短纯机械技巧的练琴时间。一天集中精力练15分钟，几天就可明显见效。一般地，无名指按压的练习时间要多于中指按压的练习时间，而小指按压的练习则需要更多的时间----以增强弱手指按压的力量，使各手指的按压力量尽量平均化。
右手：上述练习，一样适用于右手。把吉他反抱，右手按压指板、按弦、拨弦，指型、动作、练法与上面的左手要求完全一样（只是实际发音不同，右手按压的手指按压的是高音弦，而右手拨弦的手指拨的是最低音的那根弦）。许多吉他手弹琴，右手触弦没有按、绷弦的能力，音色音量首影响，这个反练吉他的练习，可以很好地解决这个问题：右手的指力、独立性、按压绷弦的习惯、相邻手指的神经分离等等，都有莫大的好处，而且效率极高，几乎有立杆见影的奇效。
正式曲目的指法编排中，除了考虑音乐需要，一般也要考虑平均地使用各手指，使各手指的点击率不要相差太大，否则影响各手指的力量平均。
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:53:00 6# 正确的演奏姿势
首先，我认为要以身体放松和形体平衡为两大主要要点。这样才能保证双手的走位能够充份发挥。如果没有正确的姿势，肌肉会产生疲劳、紧张，一旦长期养成习惯，不仅难以纠正，更不利于提高吉他水平。至于有的教材说有时能够导致某种疾患，本人不敢苟同，认为言重。还是言归正传吧。
1、 坐姿：
我一般用40-50CM的凳子，当然，不同高度的凳子也要配不同高度的踏板。但是，没有必要规定是多少，因为每个的体形、骨骼不一样，也就是说要达到前面所说的两大要素，是因人而异的。所以凳子这点没有定论。当然，凳面应该平，不要垫软、厚的东西。还有一点，那就是臀部大约按四分之三的接触面是最好的（个人经验），即凳子的前部。
2、 持琴姿势：
不知道大家注意到没有，琴与身体通常有几个接触点：1、左大腿中间；这是最主要的支点。2、左胸（大概在乳上2-3CM处）受力最小的就是这个点，因为仅仅是吉他轻轻依靠的点3、右臂肘部内前大约4-5CM处 4、右腿内侧大约中间。这四个点就支撑起了琴体。当然，左手自然也算接触点，但是不是主要支点。至于琴体角度，大约是35-40度左右。有的大师在弹到高潮或者某些段子的时候，或许整个琴体会发生比较大的变化，这是正常的，道理我无法说，反正初学者开始不要管就是了。
左右腿的位置：，一般来说，踩凳子的目的除了使得更加平衡外，还使左脚膝盖稍微比大腿高些。所以有的专用踏板是可以调节高度的。左腿踩在脚凳上小腿尽量垂直地面，膝盖不要朝两边倾斜。为了省力与稳定，左脚全脚掌踩在踏板上。右腿应向右侧分开 30-45度。在长时间的弹琴中，常常通过调整右脚来调整身体，这是很多人都有体会的。有的教材还让初学者用右脚打节拍，我是很反感的，节拍是音乐素养之一，甚至是天生的，应该靠其他方法来锻炼。再说这种办法会极大影响初学者的琴感。 左大腿与琴体下侧凹陷部接触。这个接触点负担了吉他大部分的重量，请注意不要因为放上了吉他而使左腿左右歪斜。左大腿应和吉他侧板保持面的接触。不要仅以吉他侧板的前棱或者后棱与腿接触，尽管有些演奏家主张以此来减少身体对吉他振动的影响，但对于初学者和一般的演奏者来说，首先应考虑的是稳定与平衡。
有些教材中要求演奏者的头部或眼睛与琴头处在同一水平线上，我认为有些教条或者画蛇添足。万一初学者是一个上长下短身材的人怎么办？呵呵。根本就没有必要规定。
3、 左手与左臂的姿势
左手拇指面向食指侧大概中间处，是重要的用力点。大概在琴颈背后的中线部位与琴颈接触，自然地其他指遥相呼应，这样各指才好发力。；肘部自然下垂，一般随着走位基本是前后运动，不要左右偏移运动。也就是说比如大横按的时候，左手肘部是朝前运动的，这个很好体会。
肩部不要紧张，也不要试图尽量靠近身体或者远离身体。
手腕放松并自然弯曲，手指自然轻靠指板，与音品基本平行。手指、手掌、手腕、手臂成自然弧状。
4、 右手的几个要点：
持琴姿势正确后，右手前臂中部轻放在吉他侧板上，手腕、手掌自然放松、下垂，在音孔处分别把手指放在各弦附近，就可以开始了。
有几个要点要注意：
右手掌与各指应该养成自然与弦呈40－60度的夹角。（千万别太在意这些数字，仅仅是为了形象）
右手腕自然有拱度，位置高于手掌和手背。即手指、手掌、手腕、手臂成自然弧状。 5、上身的正确姿势：自然坐直，不要试图一直保持直，因为没有必要也不可能一直保持。送一两个字：自然。但也不能就弯曲。
左手的基本功技巧及其练习
1、 按弦与离弦的技术要领
按弦的时候手指首先应该尽量离音品近些，按弦时与离弦时方向应该垂直琴弦，这样能尽量避免杂音，尤其是演奏低音弦时更要注意
动作幅度不应动作过大、离弦时不要抬指过高。
练习方法：请参照《卡尔卡西》教材
2、换把技术
换把简单归纳无非是移动换把和跳动换把。不要认为换把只和手有关系，其实在换把过程中，左手肘部是力的发起点，然后拇指的移动和用力，才将换把体现出来。所以基本姿势的正确，是很重要的。要对换把达到熟练掌握，必须熟悉音律，这样，换把的时候先走哪个手指，如何达到紧凑，节省时间等等，真不是一日之功。
练习方法：请参照《卡尔卡西》教材
3、分解和弦
吉他除了有独特的演奏旋律、音色之外，更重要的是吉他同时还是和声乐器。
不论是学习古典还是民谣或是电吉他等，都要重视基本音乐知识的学习。 在音乐专业中，除去本专业的乐器演奏和演唱，还有如基本乐理、声学、视唱、听音、乐史、音乐欣赏等。其中声学就是研究和弦和和弦应用的基础课。有的吉他爱好者弹了几年的乐曲还不知道旋律、和声、曲式结构、乐曲背景是什么？
和弦分为两类，一类是和弦齐奏，即同时发音，通常记在一竖行上，所以也叫做柱式和弦；第二类是音不同时发出，而是按一定的先后组合顺序发出。这类的和弦叫作分解和弦，也叫琶音。
学和弦没有独特得方法，只有多练习多听。演奏分解和弦时，除P指应靠弦并尽量停靠之外，ima一般都应用不靠弦弹法。换和弦时尽量用上组和弦产生的音的延伸时差进行转换。
做不靠弦练习时，注意ima指应大关节发力，向下拨弦，不要有向上钩弦的动作。
练习方法：卡尔西二十五首练习曲中就有学习分解和弦的方法，具体哪首由于教材不在身边，忘记了。
4、横按技术：
同时按住四到六根弦的叫做大横按，同时按住二到三根弦的叫做小横按，小横按一般用食指最末两个关节即可。乐谱中，常用C、B、来缩写，后面加上把位的数字来表示。
注意以下几个技术要领：（1）按弦点尽量靠近音品，这样杂音小，省力。（2）一般用手指侧端着弦，道理一样。（3）拇指在后面、侧面相应移动并适当用力。
横按对于初学者会感到手指酸，但是持之以恒就OK了。
5、揉弦：
这是以种最基本最常用得吉他演奏技巧。即在弹出某个音符后，按弦手指不马上离开，继续在弦上揉动。一般用中指和无名指，少数用食指和小指。因为食指力度有却嫌缺乏柔性；小指柔性不仅稍微欠缺，且力度不够；当然，这不是绝对的。要根据不同的曲子、不同的走位和不同的人来定。接触点不要台靠近音品，一般在靠音品大概一半处外，这样效果才好。
6、音阶练习
这是吉他基础中最基础但是最重要的训练。通常不好用言语来表达。不过应该记住几点：（1）开始不要图快，要注意音的的间隔，尽量一致，除非曲谱有特殊要求。（2）注意左手拇指的移动、发力，以配合走位。（3）一定要记住手指按弦、离弦要尽量垂直，但是不要死板，比如在高音区低音弦附近的走位，如果用尺子来量，或许没有哪个大师能够“垂直”。
7、指力训练
所谓指力训练，一半指小指，因为其它手指一半都能够有充足的力度。我以前除了自己吧某些曲子改来练习外，还经常故意用小指揉、滑、颤，或者本来该用其它手指来弹的，有时候就多让小指。其实，不可能短期内完成这以艰难的课题。但是之所以在这里强调，是觉得初学者早就应该重视，靠时间、经验来达到目的。高层的左手技巧中，还有独立演奏，所以初学者必须开始就重视指力训练。
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:55:00 7# 9、圆滑音：
也叫“连音”，也有人叫“颤音”。它是吉他多种装饰音的基础。这其实算是比较高级的技巧。因为掌握不好很让人沮丧的。前提是对节奏、旋律掌握得如何加上手指尤其是小指的力度。缺一不可。有一种爱的罗曼史的前奏就有一段专门的颤音。还和右手有关。因为处理不好，就会有脱节的感觉。练习圆滑音还对提高左手各指的力量、敏捷性和控制力有很大帮助。大概分“敲击连音”和“拨弦连音”两类：（1）右手拨出第一个音，第二个音用左指敲击琴弦发音。（2）右手拨出第一个音，第二个音用左指拨弦发音。
还有三音连音和三音以上的连音，也有更长的连音，但其基本原理是一致的。我的经验是，必须先将指力过关这是第一步。
练习方法：《卡尔卡西》
10、消音
弹过小罗曼史的都知道这个技巧。有多种办法；有的用右手弹弦后用拇指侧立即轻触琴弦；有的用右手弹弦后用掌缘立即轻触琴弦；有的用左手小指伸直轻触琴弦；如果难的话，就难在解决双手之间、手指之间的配合度问题。例如如果用小指，那么消音后如果立即又有走位，是否会乱？如果慢些自然不会乱，但是影响整体效果…如果有老师的话应该不难克服。如果没有老师的话，只能靠多视听、多琢磨了。吉他演奏何众多乐器一样，十分讲究整体协调性。
练习方法：《卡尔卡西》、小罗曼史
右手的基本功技巧及其练习
1、 扫
弹过传奇的人，都知道什么是扫弦。扫弦有很多种扫法：（1）右手某个手指扫（2）右手几个手指齐扫（3）右手拇指扫
其实扫弦不是难在以上所说的，二是难在和左手的配合上。在什么延长音上开始扫？是滑扫还是击扫？前者是用手指从始弦很近的上方开始，比较含蓄地扫完。后者是用手指比较用劲地扫，不一定开初始弦很近。这的确不是即句滑就能够学好的，只有靠勤奋的练习、揣摩才行。根据我的经验，初学者最好用右手无名指+中指来扫，原因是：这样最节约时空；动作幅度小；容易学。如果今后根据不同的要求要变化，那时已经练触得很有经验了。当然，要注意根据曲子的表现度来决定在音孔附近哪个地方扫。
2、 泛音
古典吉他的泛音，音色晶莹，若清澈的钟声，故也有人把泛音叫做钟声。
泛音分为自然泛音和人工泛音两类
1、自然泛音：不用左手按弦，在六根空弦上面发出泛音称为自然泛音。一般在四品、五品、七品、九品、十二品、十六品、十九品上，其他品的泛音不清晰，几乎不使用。
演奏方法是将左手指（常用小指）伸直，轻触音品上方弦，当右手拨响这根弦的同时左手迅速离开。要注意的就是右手拨弦的位置要避开同一泛音的另一泛音点位置。
2、人工泛音：
人工泛音是以任何一个非空弦音，然后找到距这个音第十二品格的位置，类似自然泛音一样，用右手１指轻触泛音点，用右手a指（演奏低音弦时有时也用p指拨弦）在离泛音点尽量远处拨弹琴弦，在a指发音同时 i指立即离弦，就发出人工泛音。一般用8va、0ct.来表示。
推荐《樱花》
3、 击鼓
击鼓不是常用的技巧，不过有时候能够令曲子生色不少。方法是用右手拇指内侧击打琴枕，接触点不同也有不同效果，如在弦上方比较柔和，在枕木上比较厚重等等。在击鼓的时候，拇指通常有目的地击打高音弦，或者根据效果来选择。
击鼓要靠多练习才能够掌握。比较特殊的如谣滚吉他演奏西班牙斗牛士的时候，我常用中指、无名指在极短的回位间歇中击打琴面板，效果也很不错。
4、 轮指
轮指是吉他的高级技巧，之所以在这里说，是因为我认为初学者也可以在进行道一定的时候接触一下。轮指分大概四指轮、三指轮、二指轮、扫轮等。四指轮是用右手四个手指（除小指）连续弹奏某一固定的弦。三指轮是除拇指和小指；二指轮比较少见，一半是中指和无名指；扫轮是在三、四指轮的基础上，同时连续弹二根以上的弦，通常是1、2、3弦。
首先，指甲就有多种讲究。有0.5-1mm、1-1.5mm、1.5-2mm、2-3mm甚至更长的。所谓长的测量是：“平视，指甲尖超出肉线的长度”。每一种长度读可以演奏，但是针对不同的人却不一样。例如我喜欢留1毫米。这样力度够，动作幅度小、好掌握。但是熟练不够碰弦几率大。每种都有优点缺点。
光选择完长度是不够的，指甲形状也很讲究。有方型、椭圆、平边、尖边等，方型指右手四个手指的指甲两个侧缘饱满；椭圆指两侧缘苗条；平边指指甲弹弦一侧修成小平边；尖边指指甲弹弦一侧修成尖边。
因为不同的人轮指的时候，手指距离弦的距离是不一样的，甚至右手触弦的角度也不一样，因此导致不同的指甲外型有很多区别。初学者千万别小看这些区别。轮指不象左手，一旦你练上几年，到后来想改也几乎改不了你的手指走性了。
另外，开始学轮指的时候，不要快，一定要慢，因为你必须使得各手指的间隔幅度一样，宁可“答、答、答、答”地清晰地练习，没有必要用眼睛，用你的耳来纠正。
一旦你的右手指养成间隔幅度一致的习惯走性的时候，你再怎么放誓地弹都OK！
右手拇指指甲要求不高，就是在练习的时候要把握好“度”就可以了。
要注意轮指的时候幅度要尽量小。还有，轮指不是靠快来证明水平的高低，而是看弹得味道。
5、 右手的位置
一半都在琴孔附近，这里的音色最饱满、醇厚；有的曲子要求当然会有变化。如在靠琴枕处，这里的音色尖锐；反之则十分柔和。这是细节，不多说了。
五、 两个声部的主旋律推荐练习曲
高声部：
《卡尔卡西练习曲第三号》、《月光》、《索尔练习曲第三号》、《泪》、《绿袖子》、《罗曼斯》、《欢乐颂》
低声部：《卡尔卡西练习曲第13号》、《魏拉罗伯斯前奏曲第一号》、《小罗曼斯、《悲伤的礼拜堂》等等。
4.1 持 琴
正确的持琴姿势至关重要，它可以保证演奏者最合理地利用身体所需用的关节、肌肉的运动而不至于很快产生疲劳。
必需一把高度合适的椅子和一个吉他专用脚凳。椅子不能有扶手，高度以双脚落地后大腿与地面平行为准。脚凳高度约15厘米左右，一般高度可调。
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:56:00 8# 为了演奏的方便，应该坐在椅子的前部。左脚向前踩在脚凳上，右脚稍往后收一些，并略向右放。将吉他的下凹部放在左大腿上面，右大腿内侧紧靠吉他的底部，琴身稍倒向人体，上部与人胸部接触，右前臂放在吉他琴桥延长线略后位置，琴颈倾斜向上，琴头略高于肩。
此时检查一下身体各部分是否完全放松。左手自然抬起准备按弦（后面将专门讲解左手技巧）。左右手与吉他的接触完全是为了演奏的需要，不能用来协助琴身的稳定，否则将影响演奏灵活性。
4.2 左手基本动作
手指的运动关节共有3个：从指尖到指根依次称为第1、2、3关节。
左手按弦各指的记号如下：
食 指……………1
中 指……………2
无名指……………3
小 指……………4
左手拇指不用来按弦，应该伸直放在琴颈背部中线位置并与中指位置对准。左手手臂应自然下垂。
左手各指按弦时，各关节自然弯曲，第一指节与指板面尽可能垂直，这样即省力、按弦又准确。按弦位置应靠近品丝（离品丝太远，会因按弦不实而产生杂音，若按在品丝上，声音发闷也会有杂音）。左手各指按弦应用指尖的肉触弦，指甲会妨碍按弦，因此左手指甲尽量剪短。在演奏的过程中，除了大拇指指肚和按弦手指的指尖外，左手的任何部位不能与琴体接触。
左手的运指是需要特别强调的。
吉他指板大致可分为四各区域，以左手第一指（食指）所按的品格数作为把位的数序。（1）原把位，即第一把位。食指按第一格，以1、2、3、4指序4指可以按到第四格。（2）上把位，即第二到第九把位。以一指按第九格称作第九把位，4指可以按到第12格。（3）高把位，即第十到第十二把位。（4）超高把位，即十三把位以上。
在吉他的演奏中，有时左手需要做每一个手指负责按一个品格的动作，这时要求左手的柔韧性、扩张程度很好。有时左手需要做几个手指按在一个品格上的动作，这时左手手腕和手臂间的角度加大、手腕和拇指稍向琴头方向转动。
左手在指板上的移动动作可以分为两类：横向移动和纵向移动。
横向移动：手指不换把位，只是在?弦到?弦之间移动。此时以手臂带动手腕活动为主（手臂和手腕间的角度是变化的），手指保持于琴弦（平面）垂直的方向起落。
纵向移动：即换把移动。在分析换把移动之前，必需充分理解“移指”和“跳指”这两个不同概念。
移指动作指的是在运指过程中手指交替而不是同时离弦，
跳指动作指的是在运指过程中手指出现全部离弦，将要按弦的手指越过按前一个音符的手指。
换把位动作是弦乐器最重要的基本功之一，换把动作的优劣直接影响到演奏的连贯性。换把的原则是：能用移指动作完成的换把就不要用跳指；必需用跳指动作完成的换把，也要在跳指前用移指动作来作为准备动作，预先向正在按音的手指靠近，进而超越正在按音的手指。
左手常犯的错误有：运指时只有跳指动作而没有移指动作；做跳指动作时，手指不离弦而在弦上滑过，产生杂音。
4.3 右手基本动作
右手各指的符号如下：
拇 指…………p(pulgar)
食 指…………i(indice)
中 指…………m(medio)
无名指…………a(anular)
小 指…………ch(chico)
右手在吉他演奏中至关重要，技巧较复杂，需引起重视。
4.3.1右手指甲的修剪
历史上曾有指头派（代表人物为索尔，不留指甲，以指尖的肉来拨弦）和指甲派（代表人物为阿瓜多，纯粹用指甲来拨弦）。两种拨弦方式各有优缺点。经过几代演奏家的研究，目前认为以塞戈维亚为代表的现代派的拨弦方式最为科学。这种方法是先用指甲和指尖同时触弦，再用指甲拨弦。这种方法兼有指头派与指甲派的优点，而且音色的变化丰富。指甲的形状（请参考教师的指甲）和长度根据个人的情况不会完全相同。指甲必须用细砂纸（建议用2000号以上）打磨光滑，以保证拨弦音色。指甲露出指肚的长度基本为0.5-3 mm。指甲的基本形状与触弦点见图示。
4.3.2右手的基本姿势
右手前臂轻放在琴体合适的位置，手腕自然放松保持凸起。拇指外侧放在第?弦上，i、m、a指分别放在第?、?、?弦上。稍稍调整一下各指的触弦角度，使各指做到指甲和指肉同时触弦。右手拨弦位置一般在音孔中心靠后的位置。在以后的演奏中必需一直保持这种姿势，切记！
4.3.3右手的拨弦要领
吉他演奏一般有两种拨弦方式。靠弦奏法(apoyando)：拨弦后瞬间，手指靠在下根弦上；不靠弦奏法(al aire)：拨弦后，手指不接触下根弦。
一般来说，靠弦奏法的音色比较浑厚，力度大了。不靠弦奏法音色柔美清晰，力度小，速度快。现在倾向于使用不靠弦奏法奏出靠弦音色，因此i、m、a各指用特殊的不靠弦奏法，仅仅p指使用靠弦奏法。重点训练i、m、a各指的发力、拨弦方法，触弦方式，使其发出浑厚的音色（后面将有专门的练习）。
右手i、m、a各指在拨弦过程中必需保持手指呈柔和的弯曲状（1、2、3关节均有一定的弯曲），拨弦时的主要运动关节为第3关节（有的教材称作第3关节发力）。P指应注意第2关节不可凹陷从而导致紧张。
拨弦过程实际上分为三个阶段：触弦、绷弦和放弦。
(1)触弦阶段：首先在保持右手基本姿势的前提下，为手指、手掌、手臂选择一个合适的角度和位置，以保证i、m、a三指能以指甲、指肉同时触弦，同时也使大拇指与弦保持较大的角度（不小于30度）。为做到指甲、指肉同时触弦，i、m、a三指放在第?、?、?弦上和琴弦构成的角度显然应该小于90度，而不是以前的观点：垂直于琴弦。从右手手背方向看，各指触弦点均不在指尖正中，而是有不同程度的偏向左侧。
(2)绷弦阶段：这是右手拨弦过程中最关键的动作。在完成触弦动作后，将弦沿垂直于面板的方向绷紧（可理解为压弦，此时的手指一定要按要求做到弧形形状，以第3关节运动为主，第1关节形状保持不要凹陷）。这一绷弦过程需要长期的练习，做到肌肉记忆。
(3)放弦阶段：放弦犹如拉满弓后的放箭。放弦的动作要干脆、果断，离弦的瞬间，手指的运动方向一定要和琴弦垂直，以免因指甲摩擦琴弦而产生杂音（特别是在弹奏?、…、?弦时）。
(4) 移指练习（具体要求见后面第六章中“移指练习”）
6.1 基本练习顺序
6.1.1移指练习
属于左手手形联系，每日必须练习。乐谱见第五章中“3 音阶练习”第（4）条。该谱是?弦上的移指练习谱，左手是1、2、3、4指循环按在吉他的第1、2、3、4品、第2、3、4、5品……直到4指按在第12品再返回。熟练后应该移指做到琴弦的最后一品位置。其他各弦上的练习都要做，谱见第四章（4）移指练习。
练习要求：1. 速度为每分钟60个音或更慢
2. 左手大拇指伸直并与中指严格对准
3.保持正确的手形，包括：手指第一指节尽量垂直按弦、垂直起落，每一关节保持弯曲弧度（尤其第三关节不可凹陷），1、2、3、4指第三关节的连线要和琴弦平行等。
4. 关键问题是放松。任一指按弦时其他指必须放松，按弦手指完成动作后立即放松，手腕、手臂随时放松。练习的慢速是体会放松的前提。
5. 移指过程。1指按弦，2指按弦后1指停在原处并立即放松，3指按弦后1指、2指停在原处并立即放松，4指按弦的同时1、2、3指与
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 18:59:00 9# 其 他
1.音色的好坏
基本上在于选择指肉或是指甲触弦。
指肉触弦的音色厚实圆滑但比较模糊不清，指甲触弦则单薄尖锐但比较精楚可辨。多数人喜欢的是David Russell那种厚实的声音，那么在选择触弦时就要以指肉为主指甲为辅，在过弦时是先过指肉再过指甲。
2.音色的厚实程度
要点是“触弦面积“
[ point 1 ] 触弦点，角度及面积：
手指入弦的位置(触弦时手指第一个碰到弦的地方)是用手指的左侧或右侧或中间的指肉，每种入弦声音都不尽相同。手指触弦的角度，越平行弦声音越厚，越垂直弦声音越薄。
其实最根本就是手指入弦至离弦的所经过指肉的面积，触弦的过程中所经过的面积越大声音越厚，所以触弦点和触弦角度的影响音色的原因即在于此。
[ point 2 ] 速度及力量：
触弦时下压弦的深度，也就是手指将弦往斜下压入.弦震荡时前视图看到的轨迹画出的截面积越大声音越厚，所以最适合的震动是弦在打圆而不是左右晃动。
另外手腕的角度(手掌与手臂的夹角)，角度越大声音越厚，角度大时(例如180度)，手指在做出勾弦动作时，指尖的自然动作就能用一种比较类似由上而下的压入弦的动作，而角度小时(例如90度)，指尖的自然动作反而只能做由下而上拉弦的动作。
所以，过弦速度快，面积自然比较小，声音自然就变成较薄，反之亦同。加大力量，弦被压入较深，音量自然比较大，音色自然比较厚，反之亦同。
视奏
愤怒的蚂蚁：每日的音阶视奏，和弦（音程）视奏，分解和弦视奏加循序渐进的调性，加练习曲便可满足视奏的基本要求。没什么难的，关键是坚持。
在练习的时候，注意不要死记硬背，要看着谱子演奏，什么时候自然记忆下来为止。当然在看哪怕是简单的谱子的时候也要注意指法，节奏，力度术语等标记。久而久之视奏便不在话下了。
walksound：提高视奏水平，从根本上讲要解决三方面问题：
1、节奏的准确性；2、音准；3、在具体乐器上的演奏
以上三点缺一不可
一、节奏的准确性的练习
最直接的办法是想办法读各种节奏型，使之准确。按说，这是学习音乐的初期必须过的一道关。但是老师并没有侧重，或许他自己都不知道节奏训练有多重要。
补救的办法：最好找一本打击乐的教材（最好是爵士鼓的），通读上面各种节奏型，如果能够按照节奏很顺利很准确地读出来，节奏问题基本就解决了。为什么要读爵士鼓的谱子呢？因为该乐器对非打击乐这类音高乐器而言，基本不存在音高变化的问题---以免音高问题干扰了了节奏训练。并且爵士鼓的节奏型特别丰富，如果你能读懂读好爵士鼓的节奏，吉他、钢琴、小提琴等等乐器的节奏问题就是再小儿科不过了。
二、音准的练习
音准，如果讲得比较绝对的话，基本不能用钢琴以外的乐器训练。因为管乐、弦乐、弹拨乐的音准受本身物理特性的影响很大。比如吉他，受拉力、温度、琴的做工等影响，弦容易松，音容易跑；把位也可能先天不准。所以音准训练的最好办法是用钢琴辅助。同时，钢琴也能演奏最复杂的和声，有益建立和声概念和音效
训练的时候不能简单地听记，一定要唱出来。从音阶开始到曲目，持之以恒，不管多么复杂的音高和节奏，一定要唱出来。即使常得不准，也要在脑子里培养具体的音高和和声音准、音效的概念。久而久之，脑子里会有个固定的音高、音效的概念。当然，也不排除有些人先天不足五音不全（据说是听觉器官有问题），永远也搞不清楚音高之间的区别，脑子里永远也没有几个音同时发出的效果。
三、具体乐器上的演奏
一定要有一把音准的吉他。这是起码的条件。
在以上两点的基础之上，一定要坚持看谱子弹琴，绝对不能硬记。只要弹熟了自然而然就记住了。
同时，要多看不同的谱子，即使不想弹熟也要坚持多看多弹，节奏、音符要弹准。
再有，尽量能多参加合奏。不一定要排练出什么好的效果，主要是培养节奏意识，还有就是培养快速读谱试奏能力
[ point 3 ] 指甲：
指甲当然会影响到音色，但基本上除非你的指甲相当厚，否则纯粹只是在触弦完成时顺势划过去的被动角色，厚实音色主要还是来自指肉。修指甲时只需要去掉绫角，不会卡到，触弦顺畅即可。
探讨指甲所造成音色的影响，原理也是经过指甲的面积大小；于出弦的那一点的指甲如果修成划过弦时和弦形成一种锐角，声音就会尖锐，形成钝角，声音就会混浊。指甲形状修成可让弦经过较多或较少的指甲，声音亦有浊锐。比较好的选择是修成适当的声音明亮度，不过份尖锐或混浊。
浅谈音乐表现：
很多人.很多老师都会说学生要培养一个好的音乐性
我们也常以音乐性来评论一个人演奏的好坏
但音乐性的进步绝对是一个漫长的过程
一步登天的事也许有.但就像乐透一样可遇不可求
下面是我们可以多去注意的几个地方
1.拍子的正确
首先最直重要的.在注意节奏的问题之前
先练习让每一个音符都到达它的长度.也包括了静止的音符
2.节奏的正确
节奏和拍子是不一样的
很多地方性.民族性的音乐有它特别的节奏在
可能是重音的位置不同.可能是拍子上微妙的增减
而这个就和每个人的音乐素养有关
平常是否有研究各时代.各地区不同的音乐
就会影响到节奏的正确性
也是我们常说的“味道“对或不对
3.音乐的起伏
音乐的表现不在于虚幻的甜美音色
而是相对上.音量的变化.音色的变化
这才是构成音乐听起来有起有落的要件
4.每个分部的进行
每个分部都有它不同的进行方向
以及整个和弦听起来的和协程度
巴哈的音乐是最能表现这种分部的重要性
好的演奏者能让它听起来有好几条旋律进行
5.常听自己的录音
听录音会知道自己的想法和实际演奏上的落差
因为演奏者和听众是在完全不同的位置上
演奏者很辛苦在制造音乐
但听众是舒舒服服坐在台下.甚至翘着二郎腿
所以立场上的不同.让两方的感觉很容易有偏差
这时候就要常听自己的录音来祢补
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 19:04:00 10# 关于练习吉他的一些建议
无数次地，漫不经心地使用同样的错误的方式反复同样的一串音符，这样做的结果不仅不能使你的演奏得到改进，既浪费了时间，而且往往使我们的坏习惯加深。当我们学习一首音乐作品时，只要能够没有技术障碍地表达音乐就够了，用不着多练，多练的目的无非是为了消除舞台恐惧，而科学的练习方法却能帮助我们缩短这段练琴时间，并使之更具合理性，趣味性。只有通过正确的练习才能使你获得完美的技巧。
一 始终要准确地知道自己需要练习些什么以及练习它们的原因
如果练了几个小时的琴却毫无进展，这实在令人烦恼，因此我们就必须清楚自己面临的困难以及造成困难的原因，并找出克服困难的正确方法。
为了有效地进行练习，就需要懂得吉他演奏的基本原则，并能以不同的方式运用这些原则，以找出最适合自己的练习方法。（如点指，就有外拨和内勾两种不同方式，其实都正确，你不必要去强迫自己像某个大师般的一样。关键看哪一种演奏方式更适合自己。）
练琴之前花三分钟的时间思考一下，比三个小时无目的反复练习有价值的多，因为后者只会使你的坏习惯加深。
二 要根据自己的具体情况安排好练琴时间
应当事先把练习各种不同内容的时间分配好，要有当天的，本月的甚至更长的练习计划。 练习范围大致如下：
1 学习新的内容（新的曲目和技术）
2 练习某种具体的技巧（例如揉弦或制音）
3 保持和巩固已掌握的演奏曲目和技术
4 准备音乐会，比赛或考试的曲目
5 以新的音乐处理方式复习旧的曲目（clapton 就是一个很好的例子）
这五方面通常有一个是主要的，同时我们还要学会客观的评价自己的演奏。
三 只有多次重复正确的东西，而不是重复错误的坏习惯，才能做到熟能生巧
有时我们反复练习一个乐句，最后终于大功告成，这时我们会感到：“啊！总算学会了”。然而必须清醒地认识到，到此为止，我们已用不正确的方式演奏了许多遍，而用正确的方式只演奏了一遍，所以不正确的方式就非常容易再现出来。因此还必须继续使用正确的方式反复练习，直到把它变成下意识的习惯动作，并把所有不正确的痕迹去掉为止。
四 即要慢练 也要快练
演奏一个乐句所必须使用的速度，也就是演奏动作的速度，是演奏技巧的必要组成部分。
慢练可以使头脑向肌肉发出正确的演奏命令，并检查肌肉的反应和动作结果是否正确。通过慢练巩固了这些乐句中所包含的右手演奏的方法及左手的指法后还必须按原速再进行练习，以便学会正确的生理动作，并使头脑能用正确的速度发布命令。
将快的乐句练得比要求的速度再快一点（慢的乐句可以练的更慢），也是一个好办法，以便为正式演出提供附加的安全系数。
五 不要只练左手，对右手的发音也要给以同样的注意
由于左手负责声音的高低和旋律，所以它的作用非常的明显，也是立即可以被我们所察觉的，所以大多数的吉他爱好者大约花了百分之九十的时间用在练习左手上。然而吉他音乐的关键就在于此，它的风格，特点，不同层次的力度变化，起奏，重音，发音点，声音的色彩感，拨弦的角度，清晰感，穿透力的大小，总的音质，最重要就是右手的表现能力，不管是指弹还是PICK。恰恰是优秀的右手技巧（尽管不明显）帮助演奏者取得了特殊的，令人难以忘怀的效果。
六 把困难分开来，一个一个的解决
每一段乐曲都是由许多独立的，有特色的部分组成，每一部分都有各自的难点。想同时把所有困难解决掉，是不会有成效的。这样做只会使缺点更加巩固。
最好将困难抽出来，集中力量加以解决，分别把每部分练好后，再重新组合起来，按照乐谱进行练习。这种方法比较有成效，并节约时间。
七 把困难乐段的前后连在一起练习
这是对前一条的补充
当我们能够单独地掌握困难乐段后，我们还必须能够把它和前后的乐段连在一起练习和演奏。
要学会去感觉每个音符在指板上的独立的物理位置。
八 要练习演奏，不能只是练习
练琴虽然很愉快，但它毕竟不是目的，而是一种手段，目的是通过练习，使我们能以完善的技巧，充满表情和令人激动地进行演奏。当你站在舞台上演奏时，你的内心和外部环境，都与你平时练琴有着很大的不同。
所以，我们必须想办法给自己创造一些这样的演奏条件，经常在不习惯的环境中进行练习是有益的。但如果可能最好还是舞台上，熟悉了这些技术方面和心理方面的要求，可以形成一个稳定和可靠的技术基础，而这个技术基础也是充分表达音乐的不可缺少的前提。
九 也要不用乐器进行练琴
这种练琴方式不仅对演奏的技术方面有所帮助，而且特别是对增强乐谱记忆力很有好处。在头脑中设想演奏，就强迫你必须彻底地知道每一个音符。
如果你能在头脑中按照乐曲的原速，并且没有任何停顿地演奏一首乐曲，那可以说你已经完全记住了。否则，某些薄弱环节就可能在你实际演奏的关键时刻不可避免的出现。
十 不要忽视“容易”的部分，这些部分在你演出的时候往往会给你带来麻烦
大多数的音乐作品中，都包含有许多一看就知道不存在困难的句子，因此我们往往在练习时就完全忽视了对这些乐句的练习。但如果这些容易的部分不给予一定注意，它们就会在你心中形成一些空白，而这些空白在你演出时可能会变得好像你从没见过它们那样生疏。
这些不熟悉的地方在演出的时候可能会造成暂时的停顿。结果因为这些停顿的关系，你的演奏告以失败。心理上的这种暂时的犹豫可以在任何时候发生，但是，它往往发生在乐曲的开头和结尾。
作者：穿着脚的拖鞋 回复日期：2004-6-4 19:05:00 11# 学习古典吉他应该重视的一些问题
许多朋友在学习吉他的时候把更大的精力放到机械式的技巧中，认为只要有速度就可以弹好吉他了，实际上重视机械的技巧的的训练的确是非常的重要，但在练习机械技巧的同时更应注意以下的问题，它不仅仅对机械的技巧具有指导意义，也是将来能否弹好吉他的关键。
重视听觉的训练。
这里说的听觉训练不是指的听音辩高和音准等问题，而是去听和辨别音的音质，音量，延续，消失，以及音与音之间的衔接等关系，仔细的去听出它们的区别，层次和细微的变化，这样的训练不仅要在平时的技巧训练中体现，更应该在听曲子的时候加以体会和学习，这种听觉越灵敏，那么将来的演奏表现力也就越强。
音色
音色是乐器的生命，是赋予演奏以光泽，魅力的至关重要的因素之一。在学习阶段注意追求美好的音色，但这样的美好的音色却不是单一的，它应该是多变的，由于吉他这件乐器的触弦位置，以及角度和拨弦方式的不同，都会得到不同的音色，这无疑对表现音乐提供的广阔的空间，但需要说明是，无论奏出的音或强，或弱，或明，或暗，都应该是圆润，饱满，和有穿透力的，这时的拨弦方法是由为重要的，同一把吉他同样的速度，也可以弹出完全不同性质的音色，其实这也是区分演奏水平的标志之一。所以在吉他学习阶段重视对拨弦方式的研究以获得优美，理想的音色，也是重要的事情之一。而慢速的练习则是有住于更好的检查每个音质的必要的手段。
音的连接
由于吉他本身的特点，从左手的按弦到右手的拨弦以及换把都使得这件乐器在音的连接方面要比其他的乐器要困难一些，在熟悉左右手的基本演奏法后，这个问题就必须予以重视了。当然必须通过足够的机械反复的训练加以克服，但值得一提的是首先要在演奏者的脑海中要有正确的音的连接的意识，然后要非常注意听觉上的效果。
当然还有很多需要注意的问题，比如旋律感，演奏的风格感等等问题，就象我们在弹奏一首圆舞曲的时候，第一拍要弹的重一些，如果重音跑到二或三拍上那就不是圆舞曲了，诸如此类的问题，初看起来觉得“很麻烦”其实只要你在一开始的时候加以足够的重视，那么经过一段时间就会养成一种良好的习惯，这样的习惯无意会给你的吉他演奏和表现带来莫大的好处。
任何练习都必需有明确的目标，连续的计划安排，和一定的时间，精力。这一阶段的目标，技术上要达到初级，能演奏爱的罗漫丝，而演奏爱的罗漫丝则是为了培养自己的演奏兴趣和一定的音乐感受力；培养这个，则既是为今后的进步打基础，又是为了丰富，扩大自己的精神世界。
为了制定相应的练习计划------当然首先自己得有琴，较音器，吉他音带，参考书，没有脚凳用板砖也可以-----要测试自己的手指条件，耐心程度，持琴等等，这些内容包括物品的选购最好是让老手帮忙指导一下。
在此必须提出，初接触吉他时测试自己条件其实是很重要的，很多人忽视这一点，结果没能因人因才施教或就学导致练习的效果不佳，甚至没有效果，这是很遗憾的。
说的再明白点，有的人可能反应快右半脑发达，那么他就没必要做太多的左右手协调练习；有的人手指指力太弱，那么就应当加强大横按，抬指落指练习等。。。。初学者不可避免地要做一些枯燥性练习，虽然针对性很强效果也颇显著，但这会挫伤学琴兴趣，尤其是自己练习。我倾向于练习尽量通过练习曲完成，枯燥性练习越少越好。所以针对个人条件有选择地做，就很重要了。
另外做枯燥练习一定要保证一定的时间，而且一定认真查验自己的练习效果；最好有同伴或指导者监看。以下是不得不练习的：
1）持琴姿势
2）一把，五把位的左手1，2，3，4指抬指落指练习
3）6跟弦上右手的轮指练习：P I，PM，PA，IM，IA，MI，MA，AI，AM都要练到。
4）左右手协调练习，12品以上换把练习
以上可以有选择的，针对性地做，先做1，2练习；3要多做，4等1，2，3练完了之后开始。 预计将要花2周的时间，每天2~3次，一次30分钟以内。
如果你练到第4条练习了，很好你已经完成1/2的计划了，一个难点被攻克了。接下来是音阶和调式单音练习了。
这一阶段的重点在于乐理，当你练完1，2条练习时，技巧上几乎没有任何难度。唯一是要把C大调的唱名，和各音阶的音名记住。练完几个调之后，可以弹一些简单的单音练习了。
那么现在同时可以练习3，4条练习了，同时1，2条练习再重做。和上次不同的是要跟节拍器练，这是为下一部分解和弦做准备。在技法熟练的基础上达到节奏稳定和右手音量上的提高。
经过大约一周持之已恒的练习，现在已经没什么难度阻碍和弦的练习了。这是本阶段最后一个难点，通过和弦，直接练习了左手横向，纵向的扩张；需要注意的是要：
1）严格按照节拍来，2）右手拇指和其他三指的声部分开，3）大横按要有毅力
到目前为止，已经可以练习一些简单的独奏曲，如《红河谷》《很久很久以前》还有卡尔卡西的曲子等；还可以和同伴或指导合奏一些简单的小曲子如《幕尼黑波尔卡》等。
这样练了大约6，7首曲子之后，终于可以练习爱的罗漫丝了~~这样就算步入了吉他初级。整个过程最多在2个月之内。
写 给 学 习 吉 他 的 人
当你决定拥有一把古典吉他时，你陶醉于自己的这个选择。可见，你对吉他能给予你什么以及你将从中获得什么是心中有数的，多少你也会意识到自己是在亲近一门艺术，但你有没有想过，古典吉他作为一门艺术，究竟意味着什么？事实上，只有在你很好的回答了这个问题之后你才可以真正学习古典吉他，才能一步步登堂入室，才能承受的了他对你的审美判断力、意志品质和精神世界的全面考验。毕竟，吉他不不是玩具，不是家俱，不是手工艺品，不是你获取爱情的道具……它是一件乐器。许多学习古典吉他的同学在经过一段时间的基础练习之后逐步失却了最初的热情，于是把自己的吉他作为壁饰悬挂起来，或者转学其认为更有趣，有容易一些民谣吉他。也有的同学尽管坚持了下来，却把演奏，完全简化为一种双手的劳动，令自己和听众都感到辛苦；或者反过来，迷恋上了某种情调，不断的反复衍义以至裹足不前；再或沦为技巧的奴隶，演奏任何乐曲都象炫技的厨师一样慷慨的一次性的加进自己所有的“作料”——“技巧的作料”。严格说来不管是前者，还是后者，他们都没有触及古典吉他艺术分毫，因此他们在艺术上的尝试都落了空。也许后者的失败尤为惨烈，推究原因主要就是他们对艺术、对古典吉他的理解不够清晰准确，很多常识性但又是错误的观念占据了他们，也断送了他们在艺术中本应达到的进境。他们认为弹吉他无非是众多消遣活动中的一种，就像旅游、看电影一样，并准备以轻松的心情和消遣的姿态来面对它，一旦发现事实并非那样简单后，就怪自己缺乏艺术天赋，从此对古典吉他敬而远之。其实，艺术根本就不是娱乐消遣，它是一种情感的教育，是为了获得真正的自由而对我们精神施与的一次洗礼。 在艺术面前，我们要谦卑的收起我们以往的态度，准备接受他要提供给我们的一种新的态度。寻求娱乐却是使我们与真正的艺术格格不入的一种态度。米开朗基罗建造了圣彼得教堂，但丁弥尔顿和写下了宏伟的诗篇，巴赫创作了B小调弥散曲
初学者学吉他是电吉他好还是古典吉他好?
初学者用民谣吉他和古典吉他是不是都行?
怎样才能挑一把对于初学者来说好的古典吉他~~~
初学者买古典吉他买什么价位的？
古典吉他
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【吉他初学者】
吉他：初学者
吉他初学者
吉他初学者~~~
吉他初学者~~~~~~~~
民谣与古典吉他对初学者来说应学哪样好?
民谣与古典吉他对初学者来说应学哪样好?
初学者学吉他 （业余的 能便弹边唱就行）古典好还是民谣好
我是吉他初学者,我该买古典吉他还是电吉他好?我是个学生,价格也不能太高.
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怎样买古典吉他
古典吉他降音升音..