歌剧代表作:钢琴课 培养钢琴学生驾驭大型乐曲的能力 - jiaoliancnn3的日志 - 网易博客

钢琴课 培养钢琴学生驾驭大型乐曲的能力

默认分类 2010-03-08 15:16:26 阅读27 评论1   字号：大中小 订阅

培养piano学生驾驭大型乐曲的能力

　　演奏大型作品(协奏曲、奏鸣曲、组曲等)的状况最能反映出piano学生的整体演奏水平和表现能力。当演奏大型piano乐曲时，我们常会见到演奏者处于信心不足、心中无数、甚至失控的状态之中，完美地再现音乐作品的良好愿望因之而化为泡影。我们把这种演奏状态称为“驾驭大型乐曲的能力较差。”的确有不少演奏者在乐曲的某个乐句、某些段落、甚至某个乐章都能演奏得很精彩，但是听其全部的三四个乐章，就能较明显地感觉到整个作品的演奏缺乏理性的布局，完整性差，使人听起来有缺少结构美感、风格表现不统一、组织散乱、甚至支离破碎之感。怎样才能在演奏中突出作品的整体感、完整性，准确地表现出音乐作品深刻的内涵，并牢牢地把听众抓住呢?

　　笔者以为，大型钢琴作品演奏的成功，演奏者至少要具备以下条件：一是对作品的较为深刻的分析理解能力；二是对作品风格准确的把握和表现能力；三是坚实的钢琴演奏基本功和高超自如的演奏技巧；四是适应大型作品临场演出的生理心理、素质条件及经验。

一、提高对大型钢琴作品的分析能力

　　作品分析能力是学生驾驭大型乐曲的第一能力。作品分析应当在音乐形态分析和音乐风格分析两个层次展开。音乐形态分析包括曲式分析和诸如音乐表现手段的分析这两个方面。

　　1．曲式分析

　　大型乐器之王作品大都采用多乐章套曲的形式。乐器之王奏鸣曲是一种常见的乐器之王演奏的套曲，它是欧洲古典音乐中常用的一种大型作品结构形式。这种乐曲形式经过200年历史的演变，形成了自己的特殊结构。在海顿、莫扎特时代，乐器之王奏鸣曲往往由3至4个乐章组成，乐章布局大体上是：第l乐章——快板，第2乐章——慢板，第3乐章——快板，共3个乐章，或是第3乐章——小步舞曲，第4乐章——快板，共4个乐章)。常规上第1乐章多用奏鸣曲式,钢琴课。而贝多芬的32首乐器之王奏鸣曲通常第1乐章是奏鸣曲式，快板；第2乐章是复三部曲式或回旋曲式或变奏曲式，慢板；第3乐章多采用奏鸣曲式或回旋奏鸣曲式，快板。但也有例外，如“月光”奏呜曲一反q陕——慢——快”的传统套曲布局，第1乐章采用慢板，第2章是小快板，第3章为快板；且第1乐章也没有采用通常的奏鸣曲式。

　　在掌握了作品整体曲式布局特点之后，对每个乐章的曲式还要做较细的分析，尤其是奏鸣曲式的第1乐章，要认真指明引子、主部、副部、连接部、结束部(以上为呈示部)，展开部(包括插部)、再现部、结尾所处位置，让学生对音乐结构布局做到心中有数。大型作品虽然篇幅较长，但作品规范在一定的曲式结构内，音乐材料在对立统一规律基础上有着内在的联系。详尽准确的分析，使学生不仅整体把握作品，也便于记忆音乐主题材料。

　　2．音乐表现手段的分析唯

　　音乐表现手段包括旋律、节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、和声、复调、调式、调性等，其中旋律、节奏、和声在钢琴作品中尤为重要。

　　旋律有3种：一是歌唱性旋律，它擅于抒发情感和表现人的内心世界。奏鸣曲套曲中第1乐章的副部主题、第2乐章慢板主题，常采用歌唱性旋律。它或优美(如贝多芬“悲怆”奏鸣曲第2乐章主题)，或壮丽(如柴科夫斯基《降b小调乐器之王协奏曲》第1乐章引子主题)，或直接采用民间音乐材料(如海顿的许多奏鸣曲)，这些都构成乐器之王作品的重要艺术特点。二是叙述性旋律，它便于直接表达人的感受，述说事物，宣泄情绪。许多奏呜曲式乐章的主部主题采用叙述性旋律，如肖邦《g小调叙事曲》的主部主题。三是技巧性旋律，它完全适应乐器之王演奏的技术技巧，即器乐化的旋律，在许多奏鸣曲式乐章的主部主题(如贝多芬《热情》奏鸣曲第3乐章主部)中，或在作品的华彩乐段中采用。

　　节奏是音乐的生命，节奏在钢琴作品中的重要性表现在：一是构成主题的独有特征，比如贝多芬“悲怆”奏鸣曲第l乐章引子，采用附点节奏配以级进上行的哀求音调和阴森的和弦。二是在主调音乐织体作品中，节奏构成伴奏织体。尤其在有舞曲性质的乐章，通常采用一种特定的节奏音型，因此对它的认识是把握作品特点的关键。此外，节奏还是作曲家将一个主题进行变奏的重要手段，注意作品中的节奏变化，可以把作曲家的构思充分地体现出来。

　　和声是piano比起其他乐器更有表现力的手段，piano就是和声乐器。古典主义时期和声布局清晰明确，易于分析；浪漫主义时期的和声较为复杂，和声中出现了各种色彩的变化；印象主义作品中常采用九和弦、十一和弦，造成调性模糊的效果，风格更加独特；在20世纪的现代和声技法中出现多样化的和弦结构，音响常常是不协和的。如果能对这些和声进行必要的分析，对理解、把握他们作品的结构与风格是极为重要的。

二、把握大型钢琴乐器作品风格

　　别林斯基说：“没有风格，就像没有剑的剑鞘，空空如也的漂亮的箱子。”音乐风格的形成，是音乐家思想艺术臻于成熟的标志，也是衡量审美价值的试金石。

　　整个西洋音乐发展史就是一部音乐风格的演变历史，其中大型作品集中代表了各个时期、各种流派的风格特点。相比较而言，古典主义的音乐结构对称均衡；而浪漫主义的音乐更强调色彩和感情，结构较为自由，注重个人主观意识和鲜明的民族性，并带有标题性。古典音乐往往超民族、超个性，着重抽象的观念，追求“完美的典范”；浪漫主义音乐则自由奔放，以新颖独特为目的。在古典乐派中，海顿和莫扎特出生虽相差24年，但他们的作品由于作曲上的“共同手法”有时竟相似得难以区别；而浪漫乐派中的两位大师肖邦和李斯特，虽是同时代的钢琴家，只要听任何几小节，就可以明确辨认他们的差别。钢琴奏鸣曲发展到浪漫主义时期，虽与古典传统有着一脉相承的关系，但在风格上则有明显的改变，如重视感情表达,北京钢琴家教，旋律优美，和声风格色彩浓郁，节奏富于变化，演奏技巧有重大发展等。肖邦的3首钢琴奏鸣曲，勃拉姆斯的3首钢琴奏鸣曲都充分发挥了古典奏鸣曲严密的形式感与浪漫主义音乐情思奔放的特点。李斯特在他的《b小调钢琴奏鸣曲》中，将多乐章套曲结构的特征，浓缩到单乐章中，并通过主题贯穿的手法，开创了大型单乐章奏鸣曲的先河。20世纪钢琴作品在反传统思潮影响下，出现了多元、多轨、多向的特点。斯克里亚宾的中晚期钢琴奏鸣曲，和声、曲式均有创新，同时表现出神秘主义特色。巴托克的钢琴奏鸣曲、普罗科菲耶夫的钢琴奏鸣曲继承了古典乐派和浪漫乐派的传统，融汇民族乐派与现代的种种作曲手法，赋予作品鲜明的个性。

三、强化大型钢琴作品整体贯穿性的练习

　　有人戏称钢琴演奏为“半体力劳动”。的确，没有一定数量的整首乐曲连续演奏的反复练习，在舞台上就不能潇洒自如地一气呵成，就是从体力上也会有力不从心之感。在台上演奏数分钟，在台下至少要能连续演奏台上数倍于此的时间。当然，耐力的锻炼仅仅是一个方面。更重要是在连续演奏时演奏者清醒的头脑、全神贯注和激情投人。分析、理解过的东西要完全融汇在实际演奏中，平日精雕细刻练习过的每个地方都要尽量发挥出来。不能因为是连续演奏而放松对自己的要求。

　　主线的贯穿，是整首乐曲演奏的关键。主线——就是音乐作品的总体情绪、形象、风格、精神在演奏者头脑中的集中反映。这条主线贯穿得是否流畅、自然，直接影响着演奏效果的好坏。演奏者就是在这条主线的强烈驱动之下，把自己的感情完全投入并融合到音乐当中的。这条主线就是“音乐在我心中”。演奏者如果有强烈的表现欲望，肯定会牢牢把握住作品和自己的精神。

　　各乐章不同的曲式、速度的对比，风格上的差异，在贯穿演奏时体现得尤为突出。整首乐曲风格的把握是建立在各乐章风格的鲜明对比之上的。因此，突出各乐章独特的音乐风格、节奏特点，掌握好对比的尺度，是成功演奏整首乐曲的必要前题。这种整体贯穿性练习，次数越多，对作品整体把握水平越高。

四、苦练大型钢琴作品的高难技巧

　　大型乐器之王作品总是有若干处难度颇大、展示技巧的段落，它往往体现着作曲家的创作风格和特色，也是我们乐器之王演奏的难点。学生进入大型作品演奏课以前，大都具有扎实的演奏基础和掌握较高难技巧的能力。有了技术上的准备和能力，这并不意味着就可以对大型作品的高难度技巧部分掉以轻心。因为这些部分的演奏失误往往会破坏作品全局，而如果演奏得精彩，则会为作品增添光彩。苦练太型乐器之王作品冉5L．

　　技术难点仍是教学—主哟重要的内容，学生要反复练习，准确达到技术、甚术上的要求，从而为作品整体贯穿性练习扫清技术障碍，铺垫艺术基础。老师在教学中也应有意识地通过在小型乐曲中磨练驾驭大型乐曲的能力，在“五脏俱全”的小型乐曲中“以小见大”，不断总结和积累驾驭大型乐曲所需要的切身体会和宝贵经验，为演奏大型作品作思想和技术上的准备。

　　分析透彻、思路清晰、感情投入、演奏准确，每一方面都是不可或缺的。有人认为自己把曲式、结构等都搞清楚就行了，但不愿耐心地在每个细节上都反复推敲、下足功夫；也有人认为自己基础扎实、技术熟练、高难技巧不成问题，而对作品的曲式、风格等诸方面不屑_顾；这两种看法都有一定的片面性，是极其有害的。我们不能“说得头头是道，弹得乱七八糟”，也不能“作品练了很久，一问什么都不知道”，必须脑、手一起提高，做到“胸有成竹，脚踏实地”。从整体布局着眼，于细微处下功夫，才能提高自己驾驭大作品的实际演奏能力。

　　教师要根据不同学生素质条件选用不同的作品，以及各有侧重的有针对性的教学方法，并在教学中与学生教学相长，及时总结教学的经验，从而使这一重要钢琴教学课题取得更大的成果。