pp材料可以装热水吗:拉斐尔 《座椅中的圣母》——完美无瑕的构图

拉斐尔 《座椅中的圣母》——完美无瑕的构图 高阶秀尔著 范钟鸣译  

2011-01-16 18:45:53|  分类： 看名画的眼睛 |  标签：拉斐尔  圣母  圣约翰  构图  左膝   |字号大中小 订阅

拉斐尔   《座椅中的圣母》­­­­——完美无瑕的构图 

〔画板油画，直径71cm,1515年作，佛罗伦萨比德美术馆藏〕

隐士的传说
在这幅画面中，圣母的那双看着我们的眼睛一定会吸引我们每一位观者。她目光亲切，似乎和要和我们每一位

观者作一次亲切的交谈。一位善良、和蔼的母亲取代了神圣、庄严的圣母。她象普通母亲一样，把自己的孩子耶稣

抱在膝盖上，静静地用脸颊亲着孩子，我们从中可以体会到母亲的一片温情。与其要我们上前跪拜，我们却更想和

她作一次亲切的交谈。

    确实，这幅圣母子像不是哥特式的严肃的祭坛圣像。圣母身披华丽的绿色披肩，摘静而舒坦地坐在椅子中，满

怀着母爱把孩子抱在膝上。孩子呢，一边睁着圆圆的双眼，似乎在眺望着遥远的天界，一边又甜甜地依偎在母亲的

怀中。他们旁边，小耶稣的小朋友圣约翰合着双手，作着朝拜的动作看着美丽的圣母。也许他也正怀着和我们观者

同样的心情吧。
    这幅作品给我们的印象，无论如何不是宗教性的，相反，它充满了人情味。假如一位没听说过拉斐尔的名字，也不知道圣母是怎么回事儿的人看到了这幅作品，他（她）一定会认为这幅画是在描绘一位年轻、美丽的母亲和两个可爱孩子的和谐的家庭情景吧。这不仅仅是我们现代人的感受，在过去也曾有许多人谈到过同样的印象。关于这幅作品，还流传着一个有趣的传说呢。
   “很久以前，有一位德高望众的隐士，不幸在森林里陷人了一群狼的包围之中。他只能爬上身边的一裸橡树，大声呼救。附近酒作坊里的一位姑娘闻声赶来，勇敢地救出了这位隐士。姑娘和她家里人热情地招待了这位隐士，并且还留他住了一宿。次日清晨，隐士告辞时预言，救过他的橡树和这位善良的姑娘，一定会因善而得以永生。几年后，橡树被伐下来做了酒桶，姑娘也结了婚有了两个孩子。有一天，拉斐尔散步经过这里，看见这天使般可爱的孩子和年轻美丽的母亲，心中涌出了画意，可惜随身没带画具，他急中生智，顺手以身旁的陶土作为素描的笔，以酒桶的橡木盖作为画板，画下了这母子三人的画像。就这样，这幅永远闪烁着艺术光彩的《座椅中的圣母》诞生了。同时那位隐士的预言也因此实现了。”
    以上的“隐士的传说”和这幅充满人情味的画，内容非常相象，而且这幅画也是画在橡树板上的。无怪乎这诗一般的传说会在民间广泛地流传。
    可惜的是，传说毕竟是传说，而不是事实。事实上，这“隐士的传说”最早见诸文字的时间是在浪漫主义运动兴起的1820年前后，也即拉斐尔逝世三百年后。因此，“传说”并不能解释这幅作品的由来，相反，是这幅作品的向世才产生了这个“传说”。
    然而，关于这幅画是如何出现的，以及它所具有的意义等，当时的文献中并没有任何记载。我们只能在这完好地保存下来的作品中去寻找。

宗教性的规定
拉斐尔在散步中偶得这幅名作的“传说”，至少说明了一点，即这幅名作好像是即兴创作的。其实不然，只要

我们仔细分析一下这幅画，就会发现它是拉斐尔深思熟虑后才动笔画成的。而且，这幅画可以说是拉斐尔作品中最

精致的一幅。
首先，在表现主题方面，拉斐尔严格地遵循了中世纪以来绘画上的许多传统规则。例如，在裹着头巾的圣母头

上，画着一个细细的光环。这显然是要表示她并非是一般人间的女性，她是象征“神的存在”的圣母。在宗教美术

中，由于通常要表现超越日常生活之上的超自然的存在，所以有着许多严格的规定，戴着光圈的人，要么是圣母，

要么是其他圣人或天使。决不可能是普通的人。

拉斐尔一面恪守着基督教的种种规定，在圣母头上画上画上光环，一面又尽可能地不让它突出明显。在哥特式时代，或者十五世纪，宗教画像上一般不仅有光圈，而且在光环内还涂有金色。总之，要尽量让光环显得光彩夺目。因此，中世纪的圣母、圣人像上的光环，其实是一个金色的圆盘。拉斐尔为了避免这种不自然的表现效果，只淡淡地画上了一个似有似无的环，这样也就不算犯宗教之规。还有，为了表现小基督的“神性”，通常在他的光环中还要添上十字架，但是在这里这种形式被省略掉了。
    同样，合着双手的小圣约翰的手杖也是有含义的。圣约翰曾以牧童的身份预言基督的到来，所以他在这里被描绘成牧童的模样。手杖在规定中是暗示基督受难的十字架的。虽然圣约翰手执手杖在荒野中呼喊是后来的事，而且三、四岁的他也不可能手执手杖。在这幅画中圣约翰以小孩的容貌出现，拉斐尔特意让他握着手杖以示他的身份。让观者可明确地辨认出圣约翰来。
    除了光环和牧人的手杖外，体现宗教规定的还有玛丽亚的服装。圣母的服装除特殊情况外，通常必须是红色的上衣外罩着蓝色的外套。拉斐尔的圣母如此，达·芬奇的《圣安娜与圣母子》也是如此。还有佛拉·安日里科（1387 一一1465 ）的《受胎告知》、波提切利的《博士来拜》也都是这样。基督教义规定，红色象征特上天的圣爱，蓝色象征着上天的真实。因此，圣母的服装色彩就被规定为红色与蓝色的组合，而且上衣必须是红色，外套必须是蓝色，画家不能擅自改变。

如果原封不动地将外套完整地画出来，上衣的红色就会被遮没。因此，画家们都想方设法，或者让外套敞开一点，或者让它脱下一半，总之，要让红色与蓝色同时现在画面上。拉斐尔这样画。藏于卢佛尔美术馆的他的那幅名作《圣母子与圣约翰》中，圣母的外套半脱着，里面的红色上衣非常清楚地显露出来。这幅《座椅中的圣母》中，圣母的蓝色外套完全脱下，盖在膝盖上，而在抱着圣子的手臂上露出了红色上衣的袖子。画家们都必须在不违反宗教规定的前提下来安排画面的色彩。这幅《座椅中的圣母》就是一个典范，而且拉斐尔所用的折中办法几乎是无懈可击的。

完善的构图
拉斐尔在玛丽亚抱着圣子的手臂上画上了红色的袖子，还在她坐着圣子的膝盖上罩上了蓝色的外套。在红与蓝

两大鲜明的色块之间，恰好是圣子的位置所在。圣子的衣服是黄色的，从而，在画面上形成了红、黄、蓝三原色的

既对比又和谐的效果。在红与蓝之间加上黄，它为画面增添了富丽的色妙的色彩。

    拉斐尔巧妙的色彩构图技巧，还不仅限于以上这些。这幅画上的圣母在拉斐尔众多的圣母像中是颇为特别的。

她身上还披着一条绿色的披肩，这披肩的绿色又与袖子的红色产生色彩对比，给画面赋上了一段华丽的色彩和声。

红色与绿色是一对补色，它们之间有着强烈的色彩对比关系。即使在现代，这种对比关系也被广泛地采用。在画面

上起主导作用的红色，一方面与黄色和蓝色形成一组原色对比效果，另一方面又与绿色形成一组补色对比的效果。

这样，红色同时在两组色彩中起着对比作用，它把黄、蓝与绿这二组原来并不相连的色彩连接了起来。这种各个颜

色彼此独立又相互连接的色彩构图，正是拉斐尔的匠心独具之处。这种对画面色彩的斟酌，也体现在对画面构图的

考虑上。拉斐尔的构图同样极为严谨和周全。前面我们曾提到，这幅画给予人们的最初印象是极为“自然”的。其

实，再对画面仔细推敲一下，我们会发现它并不那么“自然”。就象这幅画的题名一样，圣母是坐在有靠背的椅子

上的。靠里面的膝盖，也就是在圣约翰胸前的圣母的左膝高高地抬起着。我们可以设身处地想象一下，象她这样的

坐法会舒服、自然吗？显然不会舒服，也不会自然。那我们初看这幅画时，为什么没有发现这不自然的地方呢？这

是因为在圣母左膝上边，约翰的头吸引住了我们的目光，才使我们没有发觉。大家不妨用手指把圣约翰的头遮去，

你们就会立刻发现，左膝很不自然地突出在画面上。还有玛丽亚的左腿，它一定是踏在什么东西上面才会比右腿高

的，可她又偏偏把孩子抱在低低的右腿上。普通母亲们决不会这样做吧。

要说清楚这些还不如实践一下，拿一把和画上相仿的椅子来。谁能照着圣母的姿式摆一下，左膝抬高并向前顶起，右膝放低让孩子坐上，背还要靠着椅背，最后还要把脸贴近孩子。我想一般人恐怕腰也会折断的吧。

    总而言之，圣母的姿态并不自然，它是拉斐尔特意创作出来的。问题在于拉斐尔为什么要使圣母摆如此不自然、不舒服的姿式呢？显然这是由于构图上的需要，也就是说，为了要在这圆形的画中安排进三个人物。

让我们暂时忘记圣母的“不自然”的姿式，从纯粹的画面构成角度来看看这幅画。画中的各条曲线就象精密的齿轮严密地咬合着。从圣母的头开始，通过颈部、肩、臂、肘、碗，形成了一根半圆形的曲线，它贯穿于整个画面。与其相对，小耶稣的肘、背、臀、褪等部位又相互连接，形成了另一条相反方向的半圆曲线，它恰好与前面的曲线相吻合，圣母双膝的作用主要是要让小耶稣坐稳。假使去掉左膝（靠里边的膝盖），耶稣会象飘浮于空中一样，很不稳定。所以，拉斐尔才将圣母的左膝抬得如此高。这主要是为了安定画面，无奈圣母的姿式只能这样不自然了。拉斐尔为了弥补这一缺陷，尽量地把左膝处理得不引人注目。他夸大了盖在左膝上蓝色外套的摺皱，造成大面积的阴影，同时尽可能地提亮前面右膝的色彩，使其尽可能地突出，最终使左膝不知不觉地隐在阴影中。再加上紧连在左膝上面的圣约翰的头，也分散了人们的注意力。在不知不觉中，我们就不会注意到那“不自然“的部分了。于是，那“极自然”的印象就象“隐士传说”那样神奇地产生了。经过如此周密考虑而构成的画，一点也没使人感到有造作的地方。相反，给人们留下了极其自然的印象。这就是拉斐尔的才能所在吧。

历史背景

拉斐尔（1483——1520）和达·芬奇、米开朗基罗一样，是一位标志着意大利文艺复兴盛期到来的艺术巨匠。他比达·芬奇年轻三十岁，比米开朗基罗年轻八岁。他虽然如此年轻，但已吸收了包括达·芬奇、米开朗基罗在内的艺术前辈们的艺术精华，创遭了理想美的王国。这种理想美也即是后来所谓的古典主义的典型美。

通常，中世纪被人们认为是以神为中心的时代，而文艺复兴时期则被认为是以人为中心的时代。这个时代的特征体现在绘画上，就是在画而中追求如实地再现人所见到的外部世界的写实倾向。在阿尔卑斯山脉以北的法兰德尔地区中种倾向尤其明显。它在凡·爱克的作品中体现得非常清楚。

文艺复兴时期意大利的情形也是如此，它受到法兰德尔美术的巨大影响。画家们力图真实地再现人物的姿态或街上的景物，同时又对现实世界加以理想化，在有限的范围内尽可能地创作出完美的艺术形象。对于人体，他们试图表现出符合“神”的标准的理想美。对于街景，他们则要表现出理想都市的优美和谐的气氛。

然而，他们的这种对理想美的表现并没有歪曲现实世界。曾在文艺复兴时期起着主导作用的“新普拉东主义”，也认为外部世界正越来越接近于理想世界。

综上所述，理想不但没有否定现实，相反，它把现实加以发展，使其延伸通向未来。

因此，要达到理想世界的彼岸，我们首先必须从现实出发。同样，要描绘理想王国的情景，也必须首先把握住现实世界的美。

这幅《座椅中的圣母》中，圣母的形象据说是拉斐尔根据自己的恋人弗尔娜丝创作的。这就更说明了以上推理的确切性。拉斐尔通过对恋人的描绘，创造出了理想美的典型形象。也许正因为这样，他的这幅画几百年来一直被人们作为美的典型。